Реферат: "Серебряный век" в русском искусстве. Ключевые образы серебряного века Серебряный век русской живописи

19.2. Живопись и музыка «Серебряного века»

19.2.1 Живопись: от «Мира искусства» до авангардизма. Художников «Мира искусства» отталкивал академизм и тенденциозность передвижников, и они ратовали за новации в живописи. Большинство из них принадлежали к потомственным художественным семьям и свою миссию видели в том, чтобы распространить в обществе высокую культуру, сохранить художественные традиции и художественный вкус. «Мир искусства», писал П.Н.Милюков, «...отталкивается также не менее резко от обличительных тенденций и вообще от гражданских идей в искусстве и от господствовавшего в предыдущем поколении реалистического и позитивистского мировоззрений». Во главе группы «Мир искусства» стоял художник А.Н.Бенуа, который был ее идеологом и теоретиком. В своей «Истории искусства» в 1902 г. он писал: «Частые выставки иностранных художников, устраиваемые в Петербурге и в Москве, общедоступность заграничных путешествий, распространенность иллюстрированных изданий об искусстве – все это сблизило нас с Западом» . Все это способствовало тому , продолжает Бенуа , что требования к живописи неизмеримо повысились и обнару жился низкий художественный уровень нашей живописи. Была сформулирована цель – поднять чисто живописную сторону художественного произведения над содержанием . Одновременно аналогичные требования возникают в музыке – поднять чисто звуковую сторону над «прогр аммой» музыкального произведения. Но критика передвижников не ограничилась критикой их формы, резкой критике подверглись их мировоззрение, их реализм. Задачей новой школы стал отказ от реализма, отказ от злобы дня.

Художники этой группы (Бенуа, Лансере, Сомов) сосредоточились на изучении прошлого петербургского искусства и от него перешли к изучению французского искусства XVIII в.

К истокам русского искусства обратились художники другого общества – «Союза русских художников» (1903 – 1923), в состав которого входили К . Ф . Юон (1875 – 1958), Ф . А . Малявин (1869 – 1940), С . В . Малютин (1859 – 1937), А . Е . Архипов (1862 – 1930) и др . Для них характерны интерес к родной природе и самобытным чертам русской народной жизни , декоративная живописность , обращение к пленэру .

Своим путем пошел Н.К.Рерих (1874 – 1947). На его примере П .Н.Милюков объясняет космополитизм ряда русских художников серебряного века. «Археолог по профессии, – пишет Милюков о Рерихе , – он ушел от настоящего не в историю , а в доисторическую легенду . Тут , на полном просторе он развернул свой талант колориста . Пре небрежение к линии ради краски, покрытие краской целых плоскостей без оттенков – эти приемы импрессионизма нашли себе в живописи Рериха широкое применение» . Милюков подчеркивает , что с течением времени доминирующей чертой у Рериха стал элемент таинственног о. Стилизация, прогрессировавшая у некоторых декораторов, у Рериха становится основным законом.

Живопись серебряного века была многостилевой, но импрессионизм занимал в ней существенное место. Под влиянием импрессионистов писал свои картины К.А.Коровин (1861 – 1939) – эмоциональные пейзажи («Зимой» ), жанровые полотна («У балкона» ) и красочные театральные декорации . Постимпрессионисты оказали влияние на В . Э . Борисова - Мусатова (1870 – 1905), оригинального художника («Водоем»), неоромантика, картины которого с излюбленным им элегическим пейзажем – парком , тихими , таинственными женщинами , как бы тенями прошлого , – легко узнаваемы .

Утонченность и многозначность человека рубежа веков нашли свое воплощение в портретах современников, написанных К.А.Сомовым, В.А.Серовым, К.А.Коровиным. Ведущий художник «Мира искусств» Сомов был сыном хранителя Эрмитажа, получил блестящее образование, окончив Академию искусств, много бывал в Европе. Он создал серию графических портретов своих современников – интеллектуальной элиты : А . Блока , Ф . Сологуба , М . Кузмина , В . Иванова , Е . Лансере , М . Добужинского и других . В . А . Серов – автор портретов актрисы М . Н . Ермолов ой, писателя М.Горького, К.А.Коровин – портретов Ф . И . Шаляпина , И . И . Левитана . Портреты , созданные художниками серебряного века , - это не просто портреты реальных людей , это галерея творческих людей эпохи , в жизни воплощавших идеалы художников .

М.А.Врубель (1856 – 1910) начинал свою деятельность еще в 80- х годах Х I Х в . Он тяготел к символико - философской обобщенности образов , нередко принимающих трагическую окраску . Современникам Врубель казался пришельцем из какого - то другого времени . Его живопись называли «волшебной», а истоки ее волшебства состояли в том, что изощренный взгляд художника «проницал» до самой глубины.

Классический пример – поздняя работа «Жемчужная раковина» . Забудем о русалках , которых художник в ней поселил , – волшебство не столько в них , сколько в том, как передана фактура раковины, чудеса ее переливов... Врубель утверждал, что дело здесь не в красках, а в сложности структуры перламутра – «в точности передачи рисунка тех мельчайших планов , из которых создается в нашем воображении форма , о бъем предмета и цвет». Таким же методом «мельчайших планов» написаны многочисленные «Сирени» – подобия какой - то аметистовой архитектуры ; крылья лебедя с зубчатым напластованием перьев – такой лебедь готов превратиться в царевну ; колючие заросли репейника – такие репейники живые, они, кажется, переговариваются (картина «К ночи»). Художник вникал в плетения стеблей, еловых веток, структуру ледяных кристаллов, образующих зимой на стекле узоры, похожие на папоротники, орнаментику горных пород, мерцание тлеющих огней. И все эти явления природы, встречаемые на каждом шагу и, однако, так плохо замечаемые автоматизированным зрением, разрастались под пристальным взором художника в необыкновенный фантастический мир.

Представителями авангарда были В.В.Кандинский (1886 – 1944), абстрактным композициям которого свойственно сочетание красочных пятен и ломаных линий («Смутн ое»), К.С. Малевич (1878 – 1935), основоположник одного из видов абстрактного искусства – супрематизма , автор «Черного квадрата» , П . Н . Филонов (1883 – 1941), стремившийся символически выразить закономерности процессов мировой истории («Пир королей» ), М . Шаг ал (1887 – 1985), создававший произ ведения на фольклорные и библейские темы , красочные и радостные . («Я и деревня» , «Над Витебском» , «Венчание» ). Несмотря на ярко выраженную индивидуальность творческой манеры каждого из этих художников , характерными для в сех были асоциальность, самодовлеющая форма, абсолютизация творческого «я». Их целью было проникновение в подсознательное – область , еще не доступную познанию .

В примитивистской манере писали свои полотна М.Ф.Ларионов (1881 – 1964) и Н . С . Гончарова (1881 – 1962). Они создавали жанровые картины : у Ларионова – это быт провинциальной улицы и солдатских казарм , а у Гончаровой – крестьянский быт . Формы их произведений плоскостны и гротескны , стилизованы под детский рисунок . Ларионова считают основоположником ос обого направления в абстракционизме – лучизма . В 1913 г . он опубликовал книгу под названием «Лучизм» . Милюков назвал этих художников «русскими новаторами» , которые не только догнали в своем творчестве Запад , но и попытались его перегнать .

Процессы, развернувшиеся на рубеже веков в живописи, столь же интенсивно проходили в музыке и литературе.

19.2.2 Музыка . В этот период жили и сочиняли музыку такие выдающиеся композиторы, как С.В. Рахманинов, А.Н. Скрябин, И.Ф. Стравинский. Покинув Россию в 1917 г., С.В. Рахманинов (1873-1943) всю остальную жизнь провел в эмиграции и очень тосковал по Родине, тема которой стала основной в его творчестве. Он автор замечательных произведений: четырех концертов для фортепиано с оркестром, прелюдий, этюдов-картин, трех симфоний, «Симфонических танцев» для оркестра, опер «Алеко», «Скупой рыцарь», «Франческа да Римини», «Литургии Иоанна Златоуста», «Всенощного бдения» и романсов. Его музыкальные произведения сочетают в себе мелодичность и возвышенную эмоциональность. Рахманинов – один из величайших пианистов мира .

В музыке другого выдающегося композитора серебряного века – А . Н . Скрябина (1871-1915) прослеживается переход от реализма к импрессионизму и от и мпрессионизма к экспрессионизму. В творчестве Скрябина проявилась устремленность к неведомым космическим сферам. Новатор музыкальных выразительных средств, Скрябин разработал идею светомузыки и впервые в музыкальной практике ввел партию света в симфоническую поэму «Прометей».

И.Ф. Стравинский (1882-1971) – автор балетов «Петрушка» , «Весна священная» , «Жар - птица» , связанных с языческой архаикой , русским фольклором и обрядностью . В России Стравинский жил до 1914 г ., а затем – за границей . Композиции он учил ся у Н.А Римского-Корсакова, до 1911 г. его музыкальными образцами были Н.А Римский-Корсаков и А.К. Глазунов (1865-1937), автор балета «Раймонда». В разные периоды жизни Стравинский обращался к различным музыкальным направлениям: неофольклоризму, старинной полифонии и додекафонии. Итальянский писатель А. Моравиа писал, что Стравинский, Пикассо и Джойс «открыли дверь в культуру двадцатого века».

В первые десятилетия XX в. в России создавали свои произведения и классики старшего поколения. Н.А. Римский-Корсаков в этот период написал три замечательные оперы-сказки: «Кощей бессмертный, «Сказание о невидимом граде Китеже...», «Золотой петушок». Философской направленностью отличалось творчество С.И. Танеева (1856-1915) (кантата «Иоанн Дамаскин» и «По прочтении псалма»).

Творчество большинства русских художников этого периода сложно отнести к какому-то стилю. Все они сочетали в своих работах черты разных направлений и стилей - от реализма и импрессионизма до символизма и модерна. Так, Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942) начинал писать в реалистической манере передвижников, но переживаемый им духовный кризис заставил его обратиться к образам святых подвижников прошлого. Именно так появилось одно из самых известных произведений Нестерова - «Видение отроку Варфоломею» (1889-1890), написанное на основе эпизода из жизни Сергия Радонежского. Огромную нагрузку в этой картине несет пейзаж, создающий настроение созерцательности и умиротворения. Эта картина стала началом «Сергиевского цикла» (1892-1899), в который вошел целый ряд работ, посвященных преподобному Сергию. В это же время появилось множество работ, героями которых были монахи, пустынники, отшельники, тоже написанные на фоне неброского русского пейзажа («Под благовест» «Великий постриг» и др.).

М.В. Нестеров Святая Русь

Этапными для творчества художника стали картины «Святая Русь», изображающая Христа в окружении русских святых и народа, и «На Руси», показывающая крестный ход. В них Нестерову удалось создать обобщенный образ русского народа.

Очень важной частью творческого наследия художника был портретный жанр. Особенно интересны портреты выдающихся русских философов и религиозных деятелей - П.А. Флоренского и С.Н. Булгакова, написанных прогуливающимися у Троице-Сергиевой лавры, а также портрет И.А. Ильина. Большое количество портретов московских ученых и художников было создано Нестеровым в советское время (ничего другого после революции он не писал).

На творчество Константина Алексеевича Коровина (1861 - 1939) большое влияние оказал импрессионизм. На его картинах тонкая игра света и тени и умение передать мимолетные впечатления и ощущения. Это создает присущую картинам Коровина атмосферу радости и полноты жизни. Чисто импрессионистским было у него равнодушие к сюжету и содержанию и повышенное внимание к форме, стремление решать чисто живописные задачи («Портрет хористки», пейзажи «Париж. Бульвар Капуцинок» «Зимой», натюрморты «Рыбы, вино и фрукты»).

Самая известная часть творческого наследия Валентина Александровича Серова (1865-1911) - портреты. Среди них знаменитая «Девочка с персиками», портрет дочери С.И. Мамонтова, в котором ему в полной мере удалось передать ощущение свежести, юности и чистоты. Художник умело помещал своих моделей в привычную для них обстановку, которая подчеркивала точные психологические образы, созданные художником. Именно поэтому хотя многие и стремились заказать портрет у модного и знаменитого художника, но в то же время опасались его беспощадного взгляда и тех характеристик, которые он давал своим персонажам. Так, хорошо видна ирония художника в портретах С.М. Боткиной, З.Н. Юсуповой, великого князя Павла Александровича. Больше всего Серов любил писать художников, писателей, артистов (в 1890-е годы он написал портреты К.А. Коровина, Н.С. Лескова, И.И. Левитана, Н.А. Римского-Корсакова, а в 1905-1911 гг. - М.Н. Ермоловой, Ф.И. Шаляпина, О.К. Орловой, М.А. Морозова, В.И. Качалова, Т.П. Карсавиной).

Не менее интересны пейзажи Серова, написанные в импрессионистической манере. Ему прекрасно удавалось передавать неброскую красоту русского пейзажа («Зима в Абрамцеве. Церковь», «Заросший пруд», «Октябрь. Домотканово» и др.). Участвуя в выставках объединения «Мир искусства», Серов заинтересовался исторической тематикой. Так появился цикл карандашных рисунков, гуашей, акварелей, картин темперой, маслом. Небольшие композиции кажутся необычайно жизненными, будто написаны с натуры («Выезд на охоту Петра II и Елизаветы Петровны», «Петр I»). Очень интересны картины Серова, написанные им после поездки в Грецию в 1907 г. Среди них знаменитая работа «Похищение Европы», написанная в стиле модерн, с характерным для него чистыми, яркими красками, тонким сочетанием условности и реальности.

Черты импрессионизма с собственными наблюдениями за натурой сочетал в своем творчестве Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов (1870-1905). Его интересовал не столько сюжет, сколько живописная техника. Он пытался запечатлеть игру воздуха и цвета. К концу 1890-х годов определился круг тем, интересующих художника - идеализированный мир старых «дворянских гнезд», в котором он прятался он потрясений современности. Картины Борисова- Мусатова написаны в технике пастели и темперы, дающей нежные, приглушенные тона - «Автопортрет с сестрой», «Осенний мотив», «Гармония», «Прогулка», «Гобелен». В поздних работах художника настроение щемящей тоски по прошлому постепенно перерастало в тревогу, тоску и отчаяние - «Водоем», «Изумрудное ожерелье», «Призраки», «Реквием».

В.А. Серов

Портрет Иды Рубинштейн

В портрете нашла отражение тема «жизни напоказ», увлекавшей художника. Ида Рубинштейн - знаменитая танцовщица и актриса, чья жизнь проходила под пристальным вниманием публики

В.Э. Борисов-Мусатов. Автопортрет с сестрой

В своих полотнах художник, подобно импрессионистам, пытался запечатлеть игру воздуха и цвета

К.С. Петров-Водкин. Сон

Картина решена в духе символизма. Пробуждения спящего ждут, словно две судьбы, две девы

М. Врубель. Пан

Молчание и тайна - полноправные персонажи в полотнах Врубеля

Свой собственный путь в живописи всю жизнь искал Михаил Александрович Врубель (1856-1910), также много работавший как декоратор, мастер по майолике, оформитель интерьеров. Его живописная манера дробления формы на грани, окрашенные изнутри светом и цветом, была близка к символизму. Музой Врубеля была певица Надежда Забела, впоследствии ставшая его женой. Ее черты мы находим во многих знаменитых работах художника - «Царевна-лебедь», «Сирень». Очень часто Врубель обращался к фольклору, мифологии, средневековым мотивам («Суд Париса», композиции «Фауст», «Маргарита» и «Мефистофель», «Микула Се- лянинович», «Принцесса Греза»). Значительное место в творчестве Врубеля занимает образ Демона, в котором художник пытался воплотить идею вызова миру, порыва личности к свободе. Художник вновь и вновь возвращался к Демону, рисуя его по-разному («Демон поверженный», «Демон сидящий»). Врубель также был прекрасным портретистом, с легкостью передавал портретное сходство и черты характера человека. В 1902 г. Врубель тяжело заболел, и остаток жизни провел в больницах, уничтожая практически все свои рисунки и наброски.

Последовательным символистом был Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939). На его творческую манеру оказали серьезное влияние Серов, Врубель, Гоген, Шаванн, набисты, но постепенно главной для него становится традиция древнерусского искусства. Зрелым мастером он стал в 1910-х. Тогда появились такие знаменитые его работы, как «Сон», «Мальчики». Программной в творчестве художника стала картина «Купание красного коня», в которой воплощена мечта о красоте, о готовности к будущим испытаниям. Краски играют особую роль в картинах Петрова-Водкина, цвет становится основой символа, выразителем своеобразного мифологического мышления художника. Позже появились и другие работы художника, в которых он развивал те же принципы, - «Мать», «Девушки на Волге», «Утро. Купальщицы», «1918 год в Петрограде», «Смерть комиссара». Верность своей творческой манере художник сохранял и в советское время.

Спектакль «Дядя Ваня» на сцене Московского художественного театра

Фотография 1899 года

Театральный дебют Чехова в 1896 году был неудачным: первая поста-новка «Чайки» оглушительно провалилась на сцене Александринского театра в Петербурге. Для успеха ему был нужен , равно как и новому театру был нужен он сам. Два года спустя Станиславский и Немирович-Данченко открывают Московский художественный обще-доступный театр, в котором отказываются от традиционных методов: на смену им приходит психологизм, а он требует и новых произведений. В декабре 1898 года «Чайка» приносит славу и театру, и Чехову. Драма-тург становится символом МХТ: уже на сле-дующий год Станиславский ставит «Дядю Ваню», затем «Три сестры» и «Вишневый сад». Главные женские роли исполняет Ольга Книппер, с 1901 года — жена Чехова.

Wikimedia Commons

Портрет В. Я. Брюсова

Рисунок Михаила Врубеля. 1906 год

В 1894 году молодой поэт Валерий Брюсов выпускает сборник стихов «Русские символисты» — манифест . В предисловии он пишет, что цель символизма — уловить едва заметные настроения, передать их расплывчатыми образами, намеками. Вслед за поэтами к символизму обращаются и художники, прежде всего Миха-ил Врубель. Портрет Брюсова он возьмется писать уже в конце жизни и так и не закончит из-за болезни. Сам Брюсов впоследствии будет гово-рить, что всю жизнь стремился быть похожим на этот портрет.

Государственная Третьяковская галерея

«Солдатушки, бравы ребятушки, где же ваша слава?»

Картина Валентина Серова. 1905 год

9 (22) января 1905 года петербургские рабочие, бастовавшие уже почти неделю, направились с петицией к Зимнему дворцу, требуя созыва Учре-дительного собрания. Безоружные демонстранты были расстреляны, что послужило толчком к началу первой русской революции, — а этот день впоследствии вошел в историю как Кровавое воскресенье. Валентин Серов наблюдал за разгоном протестующих из окон Академии художеств в Петербурге. После этих событий он в знак протеста вышел из состава академии, президентом которой был дядя императора, великий князь Владимир Александрович, лично подавлявший беспорядки.

Государственный Русский музей

«Групповой портрет художников общества „Мир искусства“»

Картина Бориса Кустодиева. 1920 год

Написать портрет своих друзей и единомышленников Борис Кустодиев решает вскоре после учредительного собрания «Мира искусства» в 1910 году. Это уже второй состав мирискусников: расцвет первого, «классического», пришелся на 1898-1904 годы, когда Александр Бенуа и Сергей Дягилев провозгласили , отказ от академизма и поиск вдохновения в сюжетах далекого прошлого. Спеша запечатлеть «Мир искусства» для истории, Кустодиев сначала пишет индивидуальные портреты, а позже планирует объединить их в монументальное полотно. Групповой портрет ему удается создать уже после революции. На картине слева направо на дальнем плане: Игорь Грабарь, Николай Рерих, Евгений Лансере, Иван Билибин, Александр Бенуа, Георгий Нарбут, Николай Милиоти, Константин Сомов, Мстислав Добужинский; на ближнем плане: Борис Кустодиев, Анна Остроумова-Лебедева, Кузьма Петров-Водкин.

Государственный Русский музей

Эскиз костюма Искандера (Вацлава Нижинского) для балета «Пери»

Рисунок Леона Бакста. 1911 год

В 1906 году антрепренер Сергей Дягилев впервые организует «Русские сезоны» — привозит в Париж картины российских художников. После невероятного успеха он устраивает гастроли композиторов, а в 1909 году приходит очередь . Костюмы и декорации, яркие и необычные, создаются по эскизам мирискусников Леона Бакста и Александра Бенуа. Дягилев обращается к молодым композиторам и танцовщикам, а париж-ская публика с восторгом принимает Михаила Фокина, Иду Рубинштейн и Вацлава Нижинского. Музыку к балету «Пери» пишет Поль Дюка, роль Искандера отводится Нижинскому, но в этом составе постановка так и не состоится из-за внутренних конфликтов. Дягилевские сезоны продолжатся до самой смерти антрепренера в 1929 году, а балет станет одним из символов русской культуры.

Metropolitan Museum of Art

«Автопортрет и портрет Петра Петровича Кончаловского»

Картина Ильи Машкова. 1910 год

В 1910 году в Москве открывается выставка под названием «Бубновый валет» — и моментально . Картины Ильи Машкова, Петра Кончаловского, Аристарха Лентулова полны грубой, балаганной эстетики, необычны и формой, и содержанием. В центре и выставки, и скандала — полотно Машкова, где он изобразил себя и Кончаловского полуголыми борцами. На книжной полке в левом верхнем углу стоит том с надписью «Сезанн» — для «бубновых валетов» он главный кумир. На следующий год создается одноименное художественное объединение, но часть организаторов выставки — в том числе придумавший название Михаил Ларионов — входить в него уже не собирается. Течения в этот период сменяют друг друга с невероятной скоростью, художники «Ослиного хвоста» враждуют с «бубновыми валетами», футуристы спорят друг с другом, а противников обвиняют в академизме.

Государственный Русский музей

Эскизы костюмов к опере «Победа над Солнцем»: Некий злонамеренный, Атлет будущего, Похоронщик, Чтец

Рисунки Казимира Малевича. 1913 год

С 1910 года, когда Велимир Хлебников и Давид Бурлюк выпускают сборник «Садок судей», футуристы неустанно эпатируют публику, литераторов и критиков. В 1913 году они создают произведение, которое объединяет и поэтов, и художников, и композиторов — оперу «Победа над Солнцем». Алексей Крученых и Велимир Хлебников пишут либретто («грезосвист пениствора наполнит созерцебен»), Михаил Матю-шин сочиняет диссонансную музыку, а Казимир Малевич рисует декора-ции. Опера декларирует главную идею футуристов: будетляне (то есть сами футуристы) побеждают Солнце, символизирующее все привычное, старое, всю прежнюю эстетику, казавшуюся незыблемой.

Wikimedia Commons

«Богатырское дѣло Козьмы Крючкова»

Рисунок Дмитрия Моора. Литография Товарищества И. Д. Сытина. 1914 год

Казак Козьма Крючков стал первым русским героем Мировой войны, после того как вчетвером с товарищами они атаковали на границе 27 немецких кавалеристов и разбили противника. Всех казаков награ-дили Георгиевскими крестами, а сам Крючков, убивший 11 немцев, долго оставался символом народной доблести: о нем постоянно писали в газе-тах, его портрет даже украшал обертку конфет «Геройские». За время Мировой войны он получил еще один Георгиевский крест и две медали «За храбрость», а погиб в 1919 году во время восстания донских казаков против большевиков.

Подпись к рисунку:
«4 казака — Козьма Крючков, Астахов, Иванков, Щегольков — погнали 27 немецких кавалеристов… <…> На картине изображено, как Козьма-богатырь накалывает немцев на пики и рассаживает как деревья. Леском-то оно попрохладней ехать домой».

Государственная публичная историческая библиотека России

Члены царской семьи, ухаживающие за ранеными во время Первой мировой войны

Фотография из семейного альбома Романовых. 1914-1915 годы

Царская семья с самого начала Мировой войны старается показать, что переживает лишения вместе с подданными. Император Николай II появляется на публике в скромной полевой форме, а великие княжны и императрица Александра Федоровна помогают раненым в госпитале как сестры милосердия. Государственная пропаганда неустанно подчер-кивает участие императорской семьи в жизни простых солдат. Однако с каждым годом войны об августейших особах говорят . Облачение сестры милосердия не спасает Александру Федоровну от слухов о ее связи с Распутиным и о шпионаже в пользу Германии.

Beinecke Rare Book & Manuscript Library

Сорванные двуглавые орлы

Фотография 1917 года

В марте 1917 года российская монархия пала — Николай II отрекся от престола, власть перешла к Временному правительству. Первые недели жизни без царя прошли под знаком избавления от символов режима: портреты императора и его семьи жгли на кострах, двуглавых орлов и короны сбивали с оград и зданий.

На рубеже XIX-XX веков в русской живописи происходили значительные перемены. Отходили на второй план жанровые сцены. Пейзаж терял фотографичность и линейную перспективу, становился более демократичным, основываясь на сочетании и игре цветовых пятен. В портретах нередко сочетались орнаментальная условность фона и скульптурная чёткость лица.

Начало нового этапа русской живописи связано с творческим объединением «Мир искусства». В конце 80-х годов XIX в. в Петербурге возник кружок гимназистов и студентов, любителей искусства. Они собрались на квартире одного из участников – Александра Бенуа. Обаятельный, умевший создать вокруг себя творческую атмосферу, он с самого начала стал душою кружка. Постоянными его членами были Константин Сомов и Лев Бакст . Позднее к ним присоединились Евгений Лансере, племянник Бенуа, и Сергей Дягилев , приехавший из провинции.

Заседания кружка носили немного шутовской характер. Но доклады, с которыми выступали его члены, готовились тщательно и серьёзно. Друзей увлекала мысль об объединении всех видов искусства и сближении культур разных народов. С тревогой и горечью говорили они о том, что русское искусство мало известно на Западе и отечественные мастера недостаточно знакомы с достижениями современных европейских художников.

Друзья взрослели, уходили в творчество, создавали свои первые серьёзные работы. И не заметили, как во главе кружка оказался Дягилев. Прежний провинциал превратился в высокообразованного молодого человека с утончённым художественным вкусом и деловой хваткой. Сам он не занимался профессионально ни одним видом искусства, но стал главным организатором нового творческого объединения. В характере Дягилева деловитость и трезвый расчёт уживались с некоторой авантюрностью, и его смелые затеи чаще всего приносили удачу.

В 1898 г. Дягилев устроил в Петербурге выставку русских и финских художников. По существу это была первая выставка художников нового направления. Затем последовали другие вернисажи и, наконец, в 1906 г. – выставка в Париже «Два века русской живописи и скульптуры». «Культурный прорыв» России в Западную Европу произошёл благодаря усилиям и энтузиазму Дягилева и его друзей.

В 1898 г. кружок Бенуа-Дягилева стал издавать журнал «Мир искусства». В программной статье Дягилева говорилось, что целью искусства является самовыражение творца. Искусство, писал Дягилев, не должно использоваться для иллюстрации каких-либо социальных доктрин. Если оно подлинное, оно само по себе – правда жизни, художественное обобщение, а иногда и откровение.

Название «Мир искусства» от журнала перешло к творческому объединению художников, костяк которого составляли всё тот же кружок. К объединению примкнули такие мастера, как В. А. Серов, М. А. Врубель, М. В. Нестеров, И. И. Левитан, Н. К. Рерих. Все они мало походили друг на друга, работали в разной творческой манере. И всё же в их творчестве, настроениях и взглядах было много общего.

«Мирискусников» тревожило наступление промышленной эры, когда разрастались огромные города, застроенные безликими фабричными зданиями и населёнными одинокими людьми. Их беспокоило, что искусство, призванное вносить в жизнь гармонию и умиротворение, всё более вытеснялось из неё и становилось достоянием небольшого круга «избранных». Они надеялись, что искусство, вернувшись в жизнь, постепенно смягчит, одухотворит и объединит людей.

«Мирискусники» считали, что в доиндустриальные времена люди ближе соприкасались с искусством и природой. Особо привлекательным казался им XVIII в. Но они всё же понимали, что век Вольтера и Екатерины не был столь гармоничен, как он им представляется, а потому единица версальских и царскосельских пейзажей с королями, императрицами, кавалерами и дамами окутывается у них в лёгкую дымку грусти и самоиронии. Каждый такой пейзаж А. Н. Бенуа, К. А. Сомова или Е. Е. Лансере окончен как бы со вздохом: жаль, что это безвозвратно прошло! Жаль, что на самом деле это было не так красиво!

Масляная живопись, казавшаяся художникам «Мира искусства» несколько тяжеловатой, отошла в их творчестве на второй план. Гораздо чаще употреблялась акварель, пастель, гуашь, позволявшие создавать произведения в лёгких, воздушных тонах. Особую роль в творчестве нового поколения художников играл рисунок. Возродилось искусство гравюры. Большая заслуга в этом принадлежит А. П. Остроумовой-Лебедевой. Мастер городского пейзажа, она запечатлела в своих гравюрах многие европейские города (Рим, Париж, Амстердам, Брюгге). Но в центре её творчества были Петербург и его дворцовые пригороды – Царское Село, Павловск, Гатчина. Сурово-сдержанный облик северной столицы на её гравюрах отразился в напряжённом ритме силуэтов и линий, в контрастах белого, чёрного и серого цветов.

С творчеством «мирискусников» связано возрождение книжной графики, искусства книги. Не ограничиваясь иллюстрациями, художники вводили в книги заставные листы, затейливые виньетки и концовки в стиле «модерн». Пришло понимание того, что оформление книги должно тесно быть тесно связано с её содержанием. Художник-оформитель начал обращать внимание на такие детали, как формат книги, цвет бумаги, шрифт, обрез. Оформлением книг занимались многие выдающиеся мастера того времени. Пушкинский «Медный всадник» прочно соединился с рисунками Бенуа, а толстовский «Хаджи-Мурат» - с иллюстрациями Лансере. Начало XX в. отложилось на библиотечных полках многими высококлассными образцами книжного искусства.

Художники «Мира искусства» отдали щедрую дань искусству, прежде всего музыкальному. Декорации художников того времени – то изысканно-утончённые, то полыхающие как пожар, - соединяясь с музыкой, танцем, пением, создавали ослепительно-роскошное зрелище. В успех балета «Шехерезада» (на музыку Римского-Корсакова) немалый вклад внёс Л. С. Бакст. Столь же ярко, празднично оформил А. Я. Головин балет «Жар-птица» (на музыку И. Ф. Стравинского). Декорации Н. К. Рериха к опере «Князь Игорь», наоборот, очень сдержанны и суровы.

Балет «Петрушка», обошедший театральные подмостки многих стран, был совместным произведением композитора Игоря Стравинского и художника Александра Бенуа. Незатейливый сюжет о том, как Петрушка полюбил Балерину, разыгранный изящно, с лёгкой иронией и грустью, навеивал невесёлые мысли о судьбе художника в безжалостном мире, где господствуют физическая сила и грубые страсти.

В области театральной живописи «мирискусники» ближе всего подошли к исполнению своей заветной мечты – соединить разные виды искусства в одно произведение.

Судьба объединения «Мир искусства» оказалась непростой. Журнал перестал издаваться после 1904 г. К этому времени многие художники отошли от объединения, и оно сократилось до размеров первоначального кружка. Творческие и личные связи его членов продолжались многие годы. «Мир искусства» стал художественным символом границы двух веков. С ним связан целый этап в развитии русской живописи. Особое место в объединении занимали М. А. Врубель, М. В. Нестеров и Н. К. Рерих.

Михаил Александрович Врубель (1856 – 1910) был разносторонним мастером. Он с успехом работал над монументальными росписями, картинами, декорациями, книжными иллюстрациями, рисунками для витражей. И всегда оставался самим собой, пылким, увлекающимся, ранимым. Три главные темы, три мотива проходят через его творчество.

Первый, одухотворённо возвышенный проявился, прежде всего, в образе юной Богоматери с младенцем, написанном для иконостаса Кирилловской церкви в Киеве.

Демонические мотивы у Врубеля навеяны были поэзией Лермонтова. Но врубелевский Демон стал самостоятельным художественным образом. Для Врубеля Демон, падший и грешный ангел, оказался как бы вторым «я» - своеобразным лирическим героем. С особой силой эта тема прозвучала в картине «Демон сидящий». Могучая фигура Демона закрывает почти всё полотно. Кажется, он должен встать и распрямиться. Но опущены руки, до боли сцеплены пальцы, а в глазах глубокая тоска. Таков врубелевский Демон: в отличии от лермонтовского, он не столько беспощадный разрушитель, сколько страдающая личность.

В 1896 г. для Всероссийской выставки в Нижнем Новгороде Врубель написал панно «Микула Селянинович», в котором наделил народного героя-пахаря такой мощью, словно в нём была заключена первобытная сила самой земли. Так в творчестве Врубеля проявилось третье направление – эпически-народное. В этом духе был написан и его «Богатырь», преувеличенно-мощный, восседающий на огромном коне. К этой серии примыкает картина «Пан». Лесное божество изображено в виде морщинистого старика с голубыми глазами и крепкими руками.

Последние годы жизни Врубеля были обречены тяжёлой душевной болезнью. В моменты просветления у него рождались новые замыслы – «Видение пророка Иезекииля», «Шестикрылый Серафим». Возможно, он хотел соединить, слить воедино три основных направления своего творчества. Но такой синтез был не по силам даже Врубелю. В день его похорон Бенуа сказал, что будущие поколения «будут оглядываться на последние десятки лет XIX в. как на «эпоху Врубеля»… Именно в нём наше время выразилось в самое красивое и самое печальное, на что оно было способно».

Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942) ранние свои работы писал в духе передвижников. Но затем в его творчестве зазвучали религиозные мотивы. Нестеров написал цикл картин, посвящённых Сергею Радонежскому. Самой ранней из них была картина «Видение отроку Варфоломею» (1889-1890). Белоголовый мальчик, которому был назначен жребий стать духовным наставником Древней Руси, благоговейно внимает пророческим словам, и вся природа, простой русский пейзаж конца лета, казалось, наполнена этим чувством благоговения.

Природа играет в нестеровской живописи особую роль. В его картинах она выступает как «действующее лицо», усиливая общее настроение. Особенно удавались художнику тонкие и прозрачные пейзажи северного лета. Среднерусскую природу он любил рисовать на пороге осени, когда притихшие поля и леса настраивались на её ожидание. У Нестерова почти нет «безлюдных» пейзажей и редко встречаются картины без пейзажей.

Религиозные мотивы в творчестве Нестерова полнее всего выразились в его церковной живописи. По его эскизам исполнялись некоторые мозаичные работы на фасадах храма Воскресенья Христова, воздвигнутого в Петербурге на месте убийства Александра II.

Художник создал целую галерею портретов выдающихся людей России. Чаще всего он изображал своих героев на открытом воздухе, продолжая излюбленную свою тему «диалога» человека и природы. Л. Н. Толстой был запечатлён в отдалённом уголке яснополянского парка, религиозные философы С. Н. Булгаков и П. А. Флоренский – во время прогулки (картина «Философы»).

Портретная живопись стала основным направлением творчества Нестерова в годы Советской власти. Писал он преимущественно близких ему по духу людей, русских интеллигентов. Особым его достижением стал выразительный портрет академика И. П. Павлова.

Николай Константинович Рерих (1874 – 1947) в течение своей жизни создал более семи тысяч картин. Они украсили музеи многих городов в нашей стране и за рубежом. Художник стал общественным деятелем мирового масштаба. Но ранний этап его творчества принадлежит России.

В живопись Рерих пришёл через археологию. Ещё в гимназические годы участвовал он в раскопках древних курганов. Воображение юноши рисовало живые картины далёких эпох. После гимназии Рерих одновременно поступил в университет и Академию художеств. Молодой художник приступил к исполнению первого своего большого замысла – серии картин «Начало Руси. Славяне».

Первая картина в этой серии, «Гонец. Восстал род на род», была написана ещё в манере передвижников. В дальнейшем в рериховской живописи всё более активную роль стал играть цвет – чистый, интенсивный, необыкновенно выразительный. Так написана картина «Заморские гости». Интенсивным сине-зелёным цветом художник сумел передать чистоту и холод речной воды. Плещется по по ветру жёлто-багряный парус заморской ладьи. Его отражение дробится в волнах. Игра этих цветов идёт в окружении белого пунктира летающих чаек.

При всём своём интересе к древности Рерих не уходил из современной жизни, прислушивался к её голосам, умел улавливать то, что другие не слышали. Его глубоко тревожила обстановка в России и в мире. Начиная с 1912 г. Рерих создаёт серию странных картин, в которых, казалось бы, нет определённого места действия, перемешаны эпохи. Это своеобразные «вещие сны». Одна из таких картин называется «Ангел последний». В клубящихся красных облаках возносится ангел, покинув охваченную пожаром землю.

В картинах, написанных в годы войны, Рерих пытается воссоздать ценности религии и мирного труда. Он обращается к мотивам народного православия. На его полотнах святые сходят на землю, отводят от людей беду, оберегают от опасностей. Последние картины этой серии Рерих дописывал уже на чужбине. На одной из них («Звенигород») святые в белых одеждах и с золотыми нимбами выходят из древнего храма и благословляют землю. В советской России в это время разворачивались гонения на церковь, разрушались и осквернялись храмы. Святые уходили в народ.