Ulična umetnost kje. Ulična umetnost – Ulična umetnost

Zanimanje za ulično umetnost je tako rekoč stalno: Rusija gosti na desetine razstav in festivalov na sezono, blagovne znamke rade volje plačujejo uličnim umetnikom za sodelovanje, nekateri uradniki pa resno razpravljajo o legalizaciji grafitov. Vendar, ali res poznamo to kulturo in ali jo pravilno preučujemo, če Banksy ostaja najbolj znan ulični umetnik za rusko občinstvo? Samizdat se je pogovarjal z umetniki, kuratorji, avtorji projekta »Deli zidov«, galeristi, proučeval materiale po nasvetih predstavnikov same skupnosti ulične umetnosti, da bi razumel, kaj je ruska ulična umetnost, kakšna je pot ulice. umetnik v Rusiji in kaj je njegova svoboda.

Neizogibno se ulična kultura v Rusiji šteje za sekundarno, primerjajo jo z ameriško in evropsko, vsa terminologija pa je predstavljena na tuj jezik. Sodobna ruska ulična kultura v raziskavah deluje posplošeno in primerjalno, zato je videti ločena od svetovnega konteksta, večina gledalcev pa ne razume, kaj je ulična umetnost in da obstajata ravno ruska ulična umetnost in ruski grafiti. Ideja večine se začne in konča pri Banksyju - tu je on, potem pa so še "ruski Banksy".

Vendar se okoli grafitov odvija ogromno dogodkov - mestni festivali, bienale ulične umetnosti Artmossphere, razstave v galerijah. sodobna umetnost, sodelovanja, vendar se občinstvo ne poglobi v problematiko. Konec koncev obstajajo tisti, ki se ukvarjajo izključno s subkulturo in rišejo pisave, in so na primer založniki časopisa "Magija plazilcev". V času bienala Artmossphere so na vhodu v Winzavod ilegalno organizirali istoimensko razstavo in se ukvarjajo tako z ulično kot sodobno umetnostjo v vsej njeni raznolikosti.

Grafiti v sodobnem pomenu so se v Rusiji pojavili v zgodnjih osemdesetih letih in so bili tesno povezani s hip-hop kulturo. Skupnost kot prve ruske grafitarje imenuje Rat, Basket in Navigator. Od takrat se je marsikaj spremenilo: ulična umetnost je zrasla iz grafitov, ulični umetniki so imeli priložnost sodelovati z galerijami, pojavila so se nova imena. Za globok potop v temo priskoči na pomoč skupnost sama: knjigi »Deli zidov« in »Deli zidov 2«, dokumentarni film »Na odprtem«, serija predavanj umetnika Dmitrija Askeja o zgodovina grafitov in drugi projekti, ki pomagajo razumeti dejansko stanje sodobne ruske ulične umetnosti.

Leta 2013 je Alexey Partola odšel v Berlin, da bi predstavil knjigo "Ghosts", projekt neodvisne založbe "Os" o bombardiranju ruskega vlaka. Izkazalo se je, da tam nihče ne ve za ruske grafite - o ruskih uličnih umetnikih prek poznanstev izvedo le tisti, ki se že dolgo ukvarjajo s svetovno ulično umetnostjo, kuratorje pa Rusija zanima le delno. Če pa želi tujec, ki ni s področja ulične umetnosti, spoznati rusko ulično umetnost, v knjigarnah ne bo našel potrebne literature, na internetu pa bodo glavne informacije v cirilici. Tako se je pojavila ideja o projektu »Deli sten« - knjižni platformi, posvečeni sodobni ruski ulični umetnosti.

Od Kaliningrada do Petropavlovska Kamčatskega

»Deli sten« so eden od glavnih virov, na katere bi se morali obrniti, če želite razumeti, kaj se dogaja z rusko ulično umetnostjo od leta 2013, in razumeti raznolikost stilov in trendov v ruski ulični kulturi. V ta namen je Aleksej Partola potoval po državi – v Kaliningrad, Sankt Peterburg, Sevastopol, Krasnodar, Soči, Moskvo, Nižni Novgorod, Volgograd, Saratov, Perm, Jekaterinburg, Tjumen, Novosibirsk, Krasnojarsk, Irkutsk, Vladivostok in Petropavlovsk-Kamčatski. .

Med raziskovanjem je Alexey vprašal umetnike, kaj mislijo, da se dogaja z ulično kulturo v drugih mestih. Izkazalo se je, da mnogi situacijo poznajo le bežno ali pa o svojih sosedih sploh nimajo pojma. Zato je eden od ciljev projekta »Deli zidov« pomagati skupnosti pogledati nase od zunaj.

V nekatera mesta sem moral potovati večkrat, saj je fizično nemogoče vse opraviti na enem potovanju. Zdaj je v Rusiji več središč ulične umetnosti - Moskva, Sankt Peterburg, Nižni Novgorod, Jekaterinburg, Novosibirsk. Ljudje poskušajo sami ustvariti vsemestne festivale, kamor prihajajo umetniki in ustvarjajo predmete posebej za dogodek. Bila so tudi mesta, kot je Tjumen, kjer se zdaj nič ne dogaja. Tam je nekaj navdušencev, večinoma pa so se opazne risbe na stavbah pojavile že pred več kot desetimi leti.

Nagar

umetnik, Petropavlovsk-Kamchatsky

Težko je reči, zakaj grafiti in ulična umetnost pri nas niso tako priljubljeni. Toda z veliko verjetnostjo geografska oddaljenost regije pusti svoj pečat. Prepričan sem, da so pomembnejši od množice talenti, tisti redki, ki so za to res navdušeni, in tisti, ki s časom ne »pogorijo«. V mojem primeru je bil spodbuda za ustvarjalnost prihod znanega ruskega grafitarja Olega Basketa v naše mesto leta 1999. Po analogiji bom domneval, da bi imeli dogodki in festivali z udeležbo močnih kulturnih predstavnikov - tako ruskih kot tujih - ploden vpliv na situacijo.

Pomemben komunikacijski medij je tudi internet: tam sem videl dela tistih avtorjev, ki jih že dolgo ne bi videl, če bi ostal v svojem mestu. Razumel sem, kaj to je in po kakšnih »pravilih« delujejo umetniki po svetu. Internet omogoča opazovanje sprememb, trendov in hkrati korenin.

Foto: Alexey Partola

Foto: Alexey Partola

Foto: Alexey Partola

V zadnjih desetih letih je ulična kultura dobila povsem drugačno obliko, pojavil se je vektor razvoja, spremenile so se navade umetnikov. Sama skupnost ulične umetnosti je heterogena: obstajajo grafitarji in bombniki na vlakih, obstajajo umetniki, ki delajo za množično občinstvo, in obstajajo tisti, ki so šli v institucionalne prostore in prenehali grafiti.

Je ulično umetnost potrebno institucionalizirati?

Zdaj obstaja ogromno muzejev, inštitutov in drugih organizacij, ki se ukvarjajo z ulično umetnostjo, vendar se dejansko ne ukvarjajo vsi raziskovalne dejavnosti. Glavne dejavnosti na to temo izvaja fundacija RuArts - prav on je organiziral serijo predavanj umetnika Dmitrija Askeja, dodeljuje štipendije za ulične umetnike skupaj z bienalom Artmossphere, podpira projekt »Deli sten« in razstavlja. Ruski umetniki v tujini.

Številne nove ustanove se na vse možne načine trudijo kategorizirati, poenostavljati, zbirati in označevati ulično kulturo, vendar ta z nami raste, se razvija in je v glavnem še vedno v svoji mladosti. Zato je zdaj precej nepremišljeno oblikovati termine, točne usmeritve in govoriti, kam vse to pelje. Veliko bolj logično je, da jo razdelimo na določene dogodke, kot je to storil Dmitrij Aske na razstavi »Ulična umetnost v Rusiji: od osemdesetih do danes«, ki je vse ključne datume ulične umetnosti postavil na časovnico, ali Aleksej Partola in Nikita K. Skrjabin v projektu “Parts of Walls”, ki predstavlja presek trenutne ulične kulture.

Ulična umetnost v muzeju

Pri prvem projektu »Deli zidov« so ulični umetniki dobili nalogo, da poskusno ustvarijo platno velikosti meter za metrom in vsako delo vnesejo v galerijski prostor kot del razstave. V drugi študiji - »Deli sten 2« - umetniki niso bili več omejeni z oblikami: rezultat eksperimenta je bilo štiriinsedemdeset projektov, ki imajo tako ulične kot razstavne dele. Med umetniki že sama ideja o prenosu grafitov v čisti obliki v muzejski prostor povzroča ironijo, saj je to nemogoče narediti. Umetnik 0331c je na primer predstavil obsežno delo, narejeno z gasilnim aparatom in barvo za drugi del projekta »Deli sten« na razstavi v osrednji razstavni dvorani Manege v Sankt Peterburgu, da bi dokazal, da je nemogoče pokazati v muzeju nekaj , kar ne more biti znotraj teh zidov .

Umetnik Zmogk je pred kratkim razstavljal v galeriji Triumph Prebliski, kjer je bilo predstavljeno abstraktno slikarstvo. To Zmogka ne ustavi, da ne bi naslednji dan šel ven in naredil grafite na mestnem obzidju.

V okviru projekta je mogoče ustvariti prostor za ulične umetnike - kot se je na primer zgodilo v primeru razstave »Deli zidov 2« v Osrednjem razstavišču Manege: takrat so v bližini muzeja postavili zidove, na katerih umetniki lahko slikal. Na ozemlju Winzavoda že nekaj let obstaja stena, ki jo je najprej kuriral Kirill Kto, nato pa festival Artmossphere. Zdaj je odprt diskusijski klub, ki aktualizira notranja in zunanja vprašanja grafitske kulture. Ustvarjanje takih prostorov pa ne pomeni, da bodo tam slikali vsi člani skupnosti, saj bo vse to ustvarjeno umetno.

Grafitarski časopis “Reptile Magic” ironično kaže, kako razdrobljena je skupnost ulične umetnosti, saj mnogi njeni predstavniki težko hkrati slikajo na ulicah in sodelujejo z galerijami. Sodobni umetniki Vse manj gredo na ulice, če rišejo, pa na legalnih stenah, v studiih ali v sodelovanju z blagovno znamko. Nekateri umetniki šele začnejo kot grafitarji in nato nadaljujejo z galerijskim delom. So tudi taki, ki so, tako kot umetnik Akue, enako vešči risanja na ulici in hkrati postanejo udeleženci beneškega bienala, ki delujejo v strogem akademskem prostoru.

Če govorimo o projektu za razstavo »Deli sten«, sem kot umetnik z uličnim ozadjem želel pokazati vsestranskost svojega umetniška metoda, ne glede na medij in prostor. Na platnih v ateljeju uporabljam akril in čopič, na stenah zunaj uporabljam aerosolne barve, modele za velike skulpture pa izdelujem v urejevalniku za 3D modeliranje.

Hkrati so dela, izdelana v tako različnih medijih, vizualno zaznana v enem samem slogu, saj ni stilskega in tehničnega prilagajanja ob prehodu v drug format. Pravzaprav lahko naslikam isto sliko na platno in steno, le v veliko večjem obsegu. V tem primeru se spremeni le kontekst. Tako smo prišli do najpomembnejšega – zmožnosti, da svojo pozornost usmerimo na samo delo in sporočilo, ki ga prinaša, in ne na žanr, v katerem je narejeno.

Predstavljajte si Kazimirja Maleviča, ki na ulici slika eno svojih suprematističnih kompozicij. Kaj bo za nas kot gledalce v tem primeru bolj pomembno? Delo samo ali površina in kraj, kjer je našlo svoje utelešenje? Bomo pozorni na dinamiko forme in barve ali bomo najprej trdili, da gre za »ulično umetnost«, čeprav bi isto delo, naslikano na platnu, vsekakor uvrstili med suprematizme?

Fotografija: vivacity.ru/sy

Fotografija: vivacity.ru/sy

Takšno razmišljanje je lahko začetek zanimivega pogovora, vendar nas odmakne od samega bistva umetnosti in zakaj nastaja. Zame kot umetnika je veliko bolj pomembno to, kar delam, kot etiketa, ki jo lahko prilepimo na to. Slikati platno za galerijo ali fresko na steno - bistvo je isto. Gre preprosto za različne pristope v formatu izražanja in načinu interakcije z občinstvom, ki je vsak na svoj način zanimiv. Zato, ko se lotim dela, ne razmišljam o tem, ali bo to ulična umetnost ali slikarstvo, v kaj naj bi jo uvrstili in kako jo označiti - to so vprašanja drugega reda. Glavna stvar je ustvarjanje umetnosti.

Če govorimo o tem, kako ulična umetnost odraža duh časa, bi jo opisal z besedo »dostopnost«. Če želite videti ulično umetnost, vam ni treba iti v muzej ali galerijo; teoretično vas bo našla na ulici. Če niste razpoloženi za to, si lahko ogledate ulično umetnost na internetu in prelistate na stotine slik, ki so večinoma dostopne zaznavanju. Poleg tega, če res želite, lahko poskusite narisati sami.

Očitno je, da bo ruska ulična umetnost tako ali drugače prevzela trende in težnje umetniških procesov, ki se dogajajo po svetu. Zaenkrat ne vidim nobenih predpogojev, da bi šel svojo posebno pot, čeprav to ne zanika te možnosti.

Danes se krepi trend delne poenostavitve umetnosti. V 1990-ih in 2000-ih se je pojavil trend k umetnosti s tako imenovanim globokim pomenom. Na primer YBA v Angliji, naš akcionizem ali moskovski konceptualizem. Zdaj obstaja moda za nekaj lepega in malo dizajnerskega. Grafiti in to, kar je bilo prikazano na razstavi »Deli sten 2«, so bolj abstraktne slike s svetlimi lepimi barvami, jih je lažje in hitreje izdelati ter so bolj učinkovite.

Ko sem v knjigi »Deli sten 2« opisoval svoj slog, sem omenil ezopski jezik. Pri tem mislim na obliko in vsebino predmeta, njegovo interpretacijo s strani gledalca. Moja dela govorijo bolj o meni in o tem, kakšen odnos imam do določenih dogodkov, kako se zaradi njih odzovem.

Za razstavo sem naredil projekt o ljudeh, ki jih ni več. Zelo pogosto ob gledanju fotografij, še posebej skupinskih, nimamo pojma, kdo so vsi ti ljudje, a stali so poleg tebe in imeli svoja življenja, svoje težave, svoje misli in spomin nanje je ostal le v fotografija. V objektu, ki je bil predstavljen v Manežu, se nisem poskušal predstaviti kot ulični umetnik, ampak sem nekatere materiale uporabil kot celoto, saj nisem imel strogih meja.

Po zelo dolgem risanju grafitov sem spoznal, da ni dovolj, da napišem samo svoje ime. Zdaj se manj ukvarjam z grafiti in ulično umetnostjo, čeprav se na prvi pogled morda zdi, da ni tako. Veliko stenskih umetnin v bistvu uporablja samo steno in sprej, ker je tako priročen material.

Pojav ulične umetnosti, preoblikovanje njenega sloga

Ulični umetniki so predstavniki kulture grafitiranja, ki se je na Zahodu oblikovala kot subkulturno gibanje in je danes dosegla status ene od oblik sodobne umetnosti. Vendar je treba opozoriti, da večina Rusov še vedno razmišlja o ulični umetnosti, predvsem grafitih, vandalizmu in huliganstvu, medtem ko so se ulični umetniki na Zahodu že dolgo oddaljili od takšnih klišejev in klišejev v svojem naslovu in so celo pridobili svetovno slavo . Tudi oseba, ki je daleč od sodobne umetnosti, verjetno pozna dela svetovno znanega uličnega umetnika Banksyja. Če govorimo o stanju ruske ulične umetnosti, obstaja splošno mnenje, da "zaostaja, dohiteva", saj se je kultura grafitov v naši državi pojavila ne tako dolgo nazaj, z začetkom perestrojke - na valu prodora zahodnega popularna kultura, ki je zajel Rusijo v poznih 80. in zgodnjih 90. letih.

Ulična umetnost je po mnenju večine nastala v sedemdesetih in devetdesetih letih prejšnjega stoletja, njena predzgodovina pa se je začela že v drugi svetovni vojni. Po legendi se zgodovina grafitov začne leta 1942, med drugo svetovno vojno, ko je delavec Kilroy začel pisati "Kilroy je bil tukaj" na vsako škatlo bomb, ki so jo izdelovali v tovarni v Detroitu. Vojaki v Evropi reproducirajo ta stavek na zidovih, ki so preživeli bombardiranje. Tej prvi manifestaciji se kasneje pridružijo podpisi Cornbread v Philadelphiji v petdesetih in šestdesetih letih prejšnjega stoletja. Skupaj s Cool Erl in Top Cat ustvarjata grafite, s čimer se je to gibanje v pravem pomenu besede rodilo.

Iz Filadelfije je gibanje v poznih šestdesetih letih prejšnjega stoletja prišlo v New York, v četrt Washington Heights na Manhattnu, od tam pa se je v 70. letih 20. stoletja »oznaka« razširila povsod in prekrivala stene vagonov podzemne železnice. Julio 204 je bil prvi, ki je poleg svojega vzdevka postavil svojo ulično številko. Prvi grafitar, ki so ga prepoznali izven lastne soseske, je bil Taki 183. Sledi svoje prisotnosti pušča v mnogih urbanih krajih, postane nekakšen »piroman« in med številnimi grafitarji sproži val posnemanja.

Iz New Yorka v 80. letih. XX stoletje grafiti, kot posebna subkultura, začeli širiti po vsem svetu. Ta subkultura se je še posebej dobro uveljavila v revnih območjih Latinske Amerike, kjer se je še prej pojavila lastna tradicija - "mural", tj. risbe na hišah. Do 90. let prejšnjega stoletja so se pojavili umetniki, ki so se v veliki meri oddaljili od grafitiranja (pisanje črk, imen) in popolnoma prešli na ustvarjanje podob ali neposrednih sporočil, pri čemer so za to uporabljali različne tehnike. Tu ne moremo mimo omeniti Blek le Rat, ki po spoznavanju ulične umetnosti New Yorka to idejo ponese nazaj v domovino, v Pariz. Tam odstopi od standardov podpisov in začne uporabljati šablono, ki je sčasoma postala eno glavnih orodij vseh umetnikov. Blek le Rat postane temeljna figura v umetnosti ulične umetnosti, po besedah ​​najslavnejšega predstavnika uličnega slikarstva Banksyja je prav on postal oče modernih trendov.

Sredi sedemdesetih let prejšnjega stoletja so se na ulicah New Yorka pojavili bolj zreli grafiti, ki sta jih narisala prva prava ulična umetnika: Lee Quinones in Jean-Michel Basquiat. Quiñones je poslikal cele vlake podzemne železnice v rodnem New Yorku in končal na prvi razstavi ulične umetnosti v zgodovini Washingtona, DC, leta 1981. Hkrati je Batiscia eden prvih priznanih uličnih umetnikov, katerega dela je trenutno mogoče kupiti za 14 milijonov dolarjev ali več.
Primer z Batischio je postal za kulturo ulične umetnosti precej izjemen, sam pa se je kmalu vse bolj odmikal od huliganskega slikarstva in se pridružil neoekspresionizmu. Ulična umetnost je medtem šla naprej in postajala vse bolj drzna in kljubovalna. Prelomnica so bila devetdeseta leta, ko je vse več umetnikov začelo opuščati »standardne« grafite (ki jih danes skoraj ni več povezovati z ulično umetnostjo) in so že v devetdesetih po šablonah začeli uporabljati plakate in nalepke, video umetnost in celo urediti instalacije. Ta čas je postal čas nove generacije umetnikov za ulično umetnost - Banksy, Shepard Fairey, Ces53, Space Invader, 108, Ash in mnogi drugi.

Še posebej pomembno za moderna kultura ulična umetnost je skrivnostna osebnost Banksyja, ki je ena najvplivnejših in najbolj iskanih osebnosti v sodobni umetnosti. Toda njegova identiteta še ni ugotovljena. Ves ta čas mu uspeva obraz skriti za maskami in kapucami. Ta angleški grafitar je začel slikati na ulicah rodnega Bristola že leta 1993 in je dolgo deloval kot navaden grafitar v svoji ekipi, a sčasoma, da bi imel čas za slikanje in ga ne bi ujeli policija je začel uporabljati šablonsko tehnologijo, tako kot francoski ulični umetnik Bleck le Rat, ki je v poznih sedemdesetih poslikal londonsko podzemno železnico. Banksy je svetovno slavo pridobil zaradi svojih šablonskih risb na občutljive družbenopolitične teme in posmeha popularni kulturi.

Po mnenju samega umetnika so "grafiti eno redkih načinov samoizražanja, ki si ga lahko privoščite, tudi če nimate ničesar."

Dve tradiciji ulične umetnosti.

V ulični umetnosti obstajata dve tradiciji, različni po izvoru in značaju, čeprav na splošno konvencionalni. Običajno jih imenujemo "francoska" ulična umetnost in "anglo-ameriška".

V angleško govorečem svetu je ulična umetnost zrasla iz revščine, iz »slabih območij«, delavskih predmestij in predvsem iz temnopolte subkulture. Povzročil je gibanje ulične umetnosti, ki je močno vplivalo na Latinsko Ameriko in celinsko Evropo.

»Anglo-ameriška« ulična umetnost je bila sprva protestne narave, ustvarjali so jo predvsem ljudje proletarskega porekla. Še vedno je precej občutljiv na kakršno koli dejstvo sodelovanja med kolegi in komercialnimi organizacijami. Hkrati tej tradiciji ni tuja nekaj lahkotnosti, ironije in lahkomiselnosti, vandalizem pa se pogosto obravnava kot čisti užitek zaradi uničenja in kršenja pravil.

Čeprav so se evropski umetniki zgledovali po newyorških grafitih, so kmalu ustvarili lastno tradicijo. "Francoska" ulična umetnost se postavlja kot "resna umetnost". Skoraj vsi umetniki imajo višja izobrazba in svoje likovne ideje povezovati z filozofske refleksije. Ideja francoske ulične umetnosti je služiti skupnosti in se poskušati vklopiti v urbano pokrajino, ne da bi izkrivljala ali uničevala okolje. Omeniti je treba tudi, da je bila francoska ulična umetnost hitro vključena v sistem muzejev in galerij – večina danes slavnih avtorjev je hitro dobila dostop do razstav. Slednja okoliščina sili, da pomemben del te tradicije ne obravnavamo kot ulično umetnost, ampak kot nekaj drugega (pop art, glam art ...). Hkrati sodobni francoski ulični umetniki precej skeptično govorijo o drugih tradicijah (na primer v članku »Doba razvitega vandalizma« iz revije Kommersant - Power), francoski umetnik Zevs pravi: »Spoštujem Banksyja, a kaj on počne je ... to so v bistvu karikature").

Če iščemo temeljne razloge za razlike med obema tradicijama ulične umetnosti, potem je verjetno glavni ta, da sta anglosaška tradicija grafitiranja in ulične umetnosti trdno zakoreninjena in vidita svojo osnovo v primitivnem, teritorialnem začetku človeka. - ulična umetnost kot čisti užitek ob rušenju meja, kot sposobnost »označevanja« ozemlja, ne toliko svojega, ampak neke skupine. Francoska tradicija vidi svoj cilj v ustvarjanju dodatnih pomenov v vizualnem sporočilu, ne v uničevanju.

Zanimivo je, da je razlika med tema dvema tradicijama povezana tudi s sposobnostjo umetnikov za refleksijo. Opaziti je, da so dela francoskih uličnih umetnikov hiperrefleksivna; sporočila, ki jih posredujejo v umetniških predmetih, so napolnjena s pomenom. Hkrati je po biografijah avtorjev opazno, da so predstavniki aglosaksonske tradicije predvsem ljudje iz nižjih družbenih slojev, medtem ko je v drugi tradiciji precejšnje število poklicnih umetnikov in oblikovalcev z eno ali dve izobrazbi (pogosto umetniška in humanitarna).

Po opisu značilnosti evropske in anglosaške umetnosti grafitiranja je treba izslediti pot grafitov v Rusiji in njihove značilnosti.

Proces nastanka in razvoja ulične umetnosti v Rusiji

Oblikovanje ruske ulične umetnosti, tako kot večina drugih različic zahodne kulture, poteka v Rusiji od začetka perestrojke. Okoli leta 1985 se je pojavila moda za zahodne vrednote in Zahodna kultura, vključno s hip-hopom in rapom, ki postajata priljubljena. Ker državljani Sovjetska zveza niso imeli širokega dostopa do informacij o zahodnih kulturnih fenomenih, informacije je bilo treba zbirati »po koščkih ... iz zahodnih revij, filmov in glasbenih izdelkov, ki so jih prinašali srečneži«. Zato obstaja vztrajen stereotip, da je hip-hop slog sestavljen iz treh smeri: break-dance, rap in grafiti. Ta kliše je še vedno priljubljen v sodobnem času. Ruska družba, čeprav v resnici to ni povsem res. Po razpadu ZSSR je v Rusijo pridrvel val hip-hop kulture, rapa in hip-hop plesa ter glasbene šole, so začeli prirejati številne festivale. Hkrati so bili prvi raperji in breakerji hkrati tudi prvi grafitarji, ki so v tem slogu okrasili dekoracijo svojih koncertnih in vadbenih prostorov, notranjost svojih klubov, prostorov itd. Med prvimi predstavniki ruskega grafitiranja v tistih časih so bili: Rat, Basket in Max-Navigator.

Ruska ulična umetnost se oblikuje na zahodni poti razvoja in izhaja iz smeri grafitiranja; ta prehod se aktivno odvija od leta 2000. Imena, kot so Code and Fet, Make, Who in druga, se pojavljajo v areni ruske ulične umetnosti. Leta 2003 sta potekala prva ruska dogodka ulične umetnosti "Ne kopiraj me" in "Dostop", od tega leta pa v Rusiji redno potekajo ruski ulični umetniški festivali in ulične umetniške predstave. Kot rezultat, ruska ulična umetnost prehaja novo raven se namesto v huliganske napade spreminja v nova vrsta umetnost. Vendar večina sodobnih raziskovalcev ulične umetnosti in celo umetniki sami pogosto kritizirajo rusko ulično umetnost in jo imenujejo brezobrazna imitacija zahodne šole. Toda kljub temu mnogi opažajo pozitivno dinamiko v razvoju ruske ulične umetnosti. Kakšni so razlogi za počasen razvoj izvirne ruske ulične umetnosti? Glavni razlog je očitna centralizacija ruske šole ulične umetnosti: večina ekip, posameznih umetnikov in centrov ulične umetnosti je skoncentriranih v Moskvi in ​​Sankt Peterburgu. Takšna geografska gneča negativno vpliva na razvoj ruske ulične umetnosti, tako da pokrajinski ulični umetniki pogosto ostanejo neopaženi. Drugi razlog za prevlado zahodnih šablon v ruski ulični umetnosti je uporaba latinične abecede pri večini uličnih umetnikov, napisi najpogosteje v angleški jezik. V celotnem ruskem prostoru ulične umetnosti obstaja le ena opazna ekipa ulične umetnosti, ki uporablja ruščino kot glavni jezik. To je medregionalna ekipa "Zakaj".

Drugi razlog je trenutno pomanjkanje legitimnega statusa ulične umetnosti v ruski družbi. Po eni strani je sama ulična umetnost, kot je opisano prej, nezakonita oblika umetnosti. A po drugi strani v ZDA in na Zahodu obstajajo slikarske platforme, kjer lahko umetniki uresničujejo svoje ideje, urijo svoje veščine, obstajajo pa tudi platforme v obliki galerij, kjer lahko ulični umetniki celo predstavljajo svoja dela. V Rusiji takih prostorov ni.

Poleg tega obstaja veliko zavračanje grafitov, kar se izraža predvsem v tem, kako se objekti ulične umetnosti obravnavajo naprej. Če se znova obrnem na zahodne izkušnje, opažam, da se kljub strogim sankcijam za barvanje sten na napačnih mestih policija ne mudi, da bi prebarvala risbe, ki so jih naredili umetniki. V Veliki Britaniji grafite celo restavrirajo (čeprav spet ta isti Banksy). V Rusiji se oznake takoj prebarvajo (glej sliko 4 - barvanje grafitov v bližini metro postaje Ladozhskaya), najpogosteje pa se barva barve, s katero prebarvamo del stene s sliko, močno razlikuje od prvotne barve steno, zato se porajajo dvomi, da je stena z enobarvnimi lisami druge barve večja vrednost in estetika kot stena s svetlo podobo. Že naslov članka V Veliki Britaniji vandali prebarvali Banksyjeve grafite kaže na razliko: v Rusiji vandale imenujejo grafitarji, v Veliki Britaniji vandal = tisti, ki prekrije grafite.

Ruska ulična umetnost se odlikuje tudi po tem, da ima še bolj akuten protestni element: številne nalepke in grafiti izražajo posmeh in ogorčenje do vladajočega razreda.

In zadnja značilnost ruske ulične umetnosti, ki bi jo rad omenil, je, da gre ruski ulični umetnik v procesu vključevanja v skupnost ulične umetnosti skozi določeno »evolucijo«: šele ko vstopi v subkulturo, se z veseljem sodeluje pri raznih dogodkih, organiziranih »od zgoraj«, sodeluje pri ustvarjanju stenske umetnosti, nato pa se, ko se seznani z negativnim odnosom svoje skupnosti do naročenega dela, umakne v senco in se odloči za radikalno nezakonite načine samoizražanja.

Tako ima razvijajoča se ruska ulična umetnost številne prednosti (kot je protestna komponenta, ki je dragocena za izvirno bistvo ulične umetnosti), a tudi številne težave in pomanjkljivosti.

Na svetu so ljudje, ki vidijo lepoto v vsakem trenutku! In te ljudi združuje gibanje ulične umetnosti. Če govori na splošno - ulična umetnost je umetnost, katerega značilnost je izrazit urbani slog.

Glavni del ulične umetnosti so grafiti, šablone, kiparske instalacije itd. Kot priznavajo udeleženci uličnega stila sami: »V ulični umetnosti je pomemben vsak detajl, malenkost, senca, barva, linija. Umetnik ustvari svoj stiliziran logotip - "edinstven znak" in ga upodablja na območjih mestne krajine. Najpomembnejša stvar ulične umetnosti ni prilaščanje ozemlja, ampak vpletanje gledalca v dialog in prikaz drugačnega zapletnega programa.”

Ulična umetnost eksperimentira z medijem in je zgrajena na igri jasno izrisanih podob s površinami zgradb, na katerih se nahajajo, kot tudi na sopostavljanju kontrastnih podob ali njihovem postavljanju v neobičajno perspektivo. Predmet tukaj vključuje steno kot del tega, kar bi moralo biti jasno vidno kot okvirni prostor, vendar ga grafiti preprosto izbrišejo.

Trenutno so ulice največjih svetovnih prestolnic pokrite s tisoči piktogramov, abstraktnih oblik in najrazličnejših likov – logotipov uličnih umetnikov. Skoraj vsaka država je že oblikovala svoj značilen slog. Rusija ni izjema.

Viktorija Golovačeva

Grafiti, kot jih razumemo zdaj, so nastali v 60. letih prejšnjega stoletja in so od takrat prehodili dolgo pot kot samostojna kultura, kot del vizualne umetnosti. Toda tudi med tistimi, ki so se rodili veliko pozneje od grafitov, še vedno velja mnenje, da se ulična umetnost ne more primerjati (še manj visoko ceniti) z muzejsko, tradicionalno umetnostjo, katere doslednost potrjujejo stoletja obstoja in znana imena.

Pogovarjali smo se s Sabino Chagina in Julijo Vasilenko ( na sliki), ustanovitelja istoimenskega bienala ulične umetnosti Artmosfera o tem, kaj je ulična umetnost oziroma ulična umetnost, kako razširjena je na ulicah in v muzejskih prostorih, kako jo pravilno sprejemati in ali je vredno vlagati. v.

- Opredelimo pojem »ulična umetnost«.

S: Začneš z boleče točke. To je vprašanje, ki si ga mnogi zastavljajo Lansko leto. Pred kratkim je bil v Sankt Peterburgu simpozij, posvečen študiju ulične umetnosti, in šest ur smo poskušali formulirati, kaj so muralizem, grafiti in ulična umetnost. Ulična umetnost je presegla meje subkulture in zahteva novo terminologijo. To, kar ste vprašali, torej zahteva šest ur pogovora.

To je urbani fenomen. Predstavljajte si, da govorimo o rolkanju. Lahko se spomnite Kalifornije v sedemdesetih letih, izsušenih bazenov, v katerih so deskarji začeli voziti deske in podobno. Ampak to ni več relevantno, ni povezave med tem, kako se je začelo, in tem, kaj je skateboarding zdaj. To je v mestu postalo vsakdanje. Tudi grafiti so se začeli z močnim subkulturnim valom v New Yorku, v New Yorku, ki je bil povsem drugačen od sedanjega. Dandanes grafiti presegajo subkulturo, se razvijajo in dobivajo nove oblike in celo pomene. Fantje iz kultne grafitarske skupine "Why!", glede na to, da v bistvu tagirajo, so zame predstavniki sodobne umetnosti, tudi zato, ker delajo s kontekstom. Ali pa ekipa “1up”, ki je s tagi prekrila vso Evropo in svojo instalacijo iz praznih kanisterjev predstavila v novoodprtem muzeju Berlin Urban Nation.

Delo umetnika Sepeja (Varšava), II. bienale Artmossphere

Zdi se mi tudi, da je v ulični umetnosti ostalo malo ulice. Se seli v razstavne prostore?

S: Obstaja tako tu kot tam in celo presega meje katerega koli specifičnega prostora, na primer zelo aktivno se uporablja v oblikovanju. Umetnik je ponoči na ulici, podnevi v ateljeju. Ali kot pri nas dober prijatelj Alexey Luka je šel študirat za varilca in zdaj vari kovino, to pomeni, da bo to lahko uporabil v umetnosti, ustvaril kakršen koli dizajn za javno umetnost, na primer.

Yu: V zadnjem času se je v Rusiji res pojavilo več razstavnih projektov s sodelovanjem ulične umetniške scene, vendar mnogi od teh umetnikov še naprej delajo na ulicah.

S: In čeprav to zdaj ni tako opazno, v primerjavi na primer s Finsko, nam gre še vedno dobro. Na zakonodajni ravni velja ničelna toleranca, vsakršna ulična umetnost na ulicah je prepovedana. Poznam človeka, grafitarja iz devetdesetih, ki je tam sedel za plakat. Nasprotno, obstaja mesto Vantaa, kjer je župan namenoma dovolil risanje po stenah, in tam je to povsod, ampak na tako umeten način bi lahko samo lepil tapete, to mi ni ravno všeč.

Stenska poslikava, ki jo je ustvaril Agostino Iacurci (Italija) v okviru festivala »Najboljše mesto na zemlji«, Moskva, nabrežje Goncharnaya, je zdaj preslikana

Po mojem laičnem mnenju Moskva zdaj pozitivno dojema ulično umetnost, navajeni so je.

S: Nič pozitivnega, Ruslan! Preprosto ne morejo ločiti reklame od umetnosti! Spomnim se enega primera, ko so prebarvali Orlikov pas in so mu prebivalci hiše napisali: "Dima, ne misli, da nismo mi!" Bil je festival - jaz sem bil njegov kustos, Yulia pa izvršna producentka večine sten - med katerim nam je uspelo opraviti veliko uličnega dela, vendar so skoraj vse zdaj prebarvane.

- Kakšen festival je bil to?

S: Obstaja taka praksa - "odstotna umetnost". V mnogih državah razvijalci – glavni gradbeniki v mestu – namenjajo 1–1,5 % svojega proračuna javni umetnosti in urejanju krajine, da naredijo urbano okolje bolj priročno, prijetno in lepše. Poleg tega je bilo to implementirano na zakonodajni ravni. Za njih je to nepomemben izdatek, za umetnost pa kar resen znesek, ki gre v poseben sklad, ki ga nato razdeli festivalom, donacijam in drugim projektom. Na primer, znamenita javna umetnost Cloud Gate v Chicagu je bila ustvarjena z denarjem razvijalca, ki je zgradil poslovni center. In zdaj je to mestna atrakcija, kamor prihajajo množice. Župan Sergej Sobjanin je vedel za to prakso in jo je želel predstaviti tudi pri nas. Skupaj s Kapkovom sta se domislila festivala »Najboljše mesto na svetu« in leta 2012 oznanila, da se mora Moskva spremeniti in da se mora tu razvijati ulična umetnost. Prvi festival je delno financiral eden od razvijalcev, vse pa je moralo biti po svetovnih standardih. Vendar ni prišlo skozi. In vse se je začelo v velikem obsegu - 150 sten. Takrat sem imel galerijo StreetKit in prijatelj Fyodor Pavlov-Andreevich me je poklical in ponudil, da postanem kustos. Marca sem prišel na moskovski oddelek za kulturo, k moškim v oblekah, in rekli so mi, da je treba vse začeti maja. Z Yulio sva dobila 90 sten od teh 150.

- Kako je to sploh mogoče narediti?

S: O fanatizmu. Julia je znala producirati vse to, jaz pa sem imel izkušnje z umetniki. Najprej smo sami naredili nekaj markacij, skoraj mešali barve. Tako je bilo: projekt za veliko denarja, s šestimi ničlami ​​in samo ničlo za plačilo umetnikov. Očitno se je domnevalo, da bi morali vsi delati brezplačno, v zameno za vonj po barvi. Bilo je mogoče prepričati, da so honorarji potrebni, in to je bila revolucija v načinu dela mesta in umetnikov. Vendar tolikšnega obsega dela ni bilo mogoče opraviti v tako kratkem času, zato smo izdelali okoli 30 likovnih del ruskih in tujih avtorjev ter še 50 na stenah kabin TKP ob igriščih: klasične ilustracije smo prenesli na znani umetniki iz otroških knjig - Bulatov, Bilibin in drugi.

- Koliko vsega izdelanega je danes živega?

S: Skoraj nič. Deluje največ 4. V Zvonarsky Lane, delo Francoza Nelia, na tretjem obroču, na Lublinki.

Mural, ustvarjen v okviru festivala "Najboljše mesto na zemlji", avtor Waone (ekipa Interesni Kazki) Moskva, ulica Lyublinskaya, 111

Škoda?

S: Škoda. Ideja je zamrla in naslednje leto ni bilo mogoče privabiti razvijalcev. V bistvu je bil denar zapravljen. In sama ideja je zdaj izkrivljena - številne risbe na fasadah v Moskvi danes so reklamne: odkrito izkoriščajo svetel in ekspresiven jezik ulične umetnosti v komercialne namene ali za ugajanje političnim strategom. Zakon o oglaševanju ne prepoveduje risb kot takih, za razliko od na primer oblikovanja pasic in to vsi uporabljajo. Na fasado seveda ne morete naslikati škatlice cigaret, je pa dobrodošlo nekaj nevtralnega. In gre človek mimo in misli, da je to ulična umetnost.

- Če oseba, ki jo zanima ulična umetnost, pride v Moskvo, kaj mu lahko pokažete, kam ga lahko peljete?

Yu: Nikjer se ne da peljati na izlet. Pred kratkim smo na internetu našli fante, ki organizirajo izlete z retro skuterji; imeli so ponudbo za ogled moskovske ulične umetnosti. Poklicali smo jih, kam in kako, morda bi lahko sodelovali. Povedali so, da je bila ta ekskurzija med tujci zelo priljubljena, večkrat pa so prišli na naslov, kjer je bilo pred kratkim delo, zdaj pa ga ni več. Moral sem preklicati.

S: Po eni strani je to specifika ulične umetnosti, je kratkotrajna. Hudo je, da so velika dela malomarno prebarvana, a še huje je, da ne nastajajo nova, mesto je postalo nezanimljivo. In lastniki zgradb imajo ponudbe za oglaševanje, zakaj torej potrebujejo vašo umetnost brezplačno? Na Paveletskaya visijo gume, stevardese Aeroflota po celem Garden Ringu.

- Kaj grozi osebi, ki jo policija zaloti pri risanju po steni?

S: Obstaja člen za vandalizem, plačaš kazen, lahko te zaprejo za 3 mesece ali pošljejo na popravno delo. To ni Evropa, kjer je vse super težko. A hkrati je vse skrito.

- Katero mesto je idealno za ulično umetnost?

S: Zame - Sao Paulo. Nekako živi tam organsko in enostavno. Tradicionalno se šteje New York, vendar je tam veliko komercialnega dela, naročenega. V Brooklynu še vedno dajejo stene brezplačno, vendar z mislijo, da bodo kasneje odprli butik ali galerijo v bližini. Ne poznam takega mesta v Evropi. Bila je Barcelona in od tod je prišla moja strast do ulične umetnosti. Tja sem prišel sredi 2000-ih in umetnost je bila na vsakem koraku! In potem je prišel novi župan in vse je bilo prebarvano z antivandal barvo, s katero se risba lahko spere z vodo. Zdi se mi, da bi Moskva lahko postala tako mesto.

Ali obstajajo kakšni predpogoji? Vse, kar je bilo doslej slišati o Moskvi, je navajalo na pesimistične misli.

S: Pesimizem, ker je veliko birokratskih in administrativnih ovir in malo novih umetnikov s svežimi idejami. Vsi, ki so tam, delajo že dolgo in njihova imena so znana.

- Kdo premika rusko ulično umetnost, komu bi morali slediti?

S: Zelo mi je všeč, kar počnejo Misha Most, Kirill Kto, 0331с, Luka, Tolya Akue, Nootk, Dima Aske, Ivan Nainty, Morik, Aber, Vedro, Peeks. So pa seveda še drugi ... vseh se ne da našteti.

– Predlani je več publikacij pisalo oZoom.

Z: Zoom- močan značaj in dobra oseba. Z njim smo delali en projekt v Saratovu, zvečer smo klicali na večerjo in rekel je: "Grem spat, moram vstati ob petih zjutraj, grem slikat." In vstal je, poleg festivalskega, naslikal tudi delo na burger baru po sovjetskem plakatu" domovina". Dela v tehniki šablone, ki je razumljiva vsem, to je jezik, ki ga mnogi poznajo iz del Banksyja.

Work Zoom, Moskva, poletje 2017, tisk na mrežo pasic, Tverski Boulevard, 1

- Samo vprašati sem hotelBanksy. Ulična umetnost, ki je na ogled, se mi zdi neizvirna – vedno gre za sklicevanje na preteklost, za spogledovanje z nečim znanim ali za šalo.

S: Da, in to odštevanje začnemo od Banksyja. Sploh se ne spomnim izraza "ulična umetnost", preden se je pojavil. Ko se je pojavil, je bila bomba. Pred njim je bila subkultura zaprta, dušena v sebi. To, kar smo prej videli na ulicah - oznake, bombe, flopi - ni bilo namenjeno prebivalcem mesta, le okolju, ljudem, kot je sam ulični pisec. Tukaj smo pri grafitih: jaz sem narisal - ti si prebral. In napisana je bila tako, da so prefinjeno tipografijo lahko prebrali in razvozlali le tisti, ki so jo poznali. Ni bilo dialoga z naključnim gledalcem. In Banksy je začel dialog z oblastmi in navadnimi ljudmi. Seveda ni bil prvi, a ta dialog pred njim ni bil tako neposredno in natančno zgrajen. To je nadaljevanje Warholovega pop arta. Jasno, enobesedno sporočilo. Tam ni treba iskati drugega dna.

Yu: Ulična umetnost je ilegalen in kratkotrajen pojav, zato mora biti sporočilo čim bolj jasno. Gledalec mora takoj razmisliti o ideji dela - jutri bo prebarvan.

S: Ulična umetnost za razliko od grafitov deluje za gledalca: videl je in razumel.

Delo The London Police, II Artmossphere Biennale

Uradne institucije, kot je npr. Puškinov muzej ali so drugi pozorni na ulično umetnost?

S: Začenjajo počasi, saj njegovega razvoja ne gre zanemariti. V "Garaži" na trienalu sodobne umetnosti je bila na primer rubrika "Morfologija ulic", Kirill, ki je tam naredil zid.

Yu: Pred nekaj leti je bila v MOMMI razstava Pasha 183. Lani, prav tako na MOMMI, je Fundacija RuArts na osebni razstavi predstavila dela 0331s in GRISHA.

- Tretjakovska galerija ima oddelek za sodobno umetnost.

Pred nekaj leti so poskušali narediti nekaj z uličnimi umetniki in še vedno sodelujemo v nekaterih pogajanjih. Imajo dobro povezavo z moskovskim metroom, morda bi se kaj izšlo v tej smeri. Imamo tudi dobro povezavo z MOMMA - jeseni bo na Gogolevsky Boulevard 10 osebna razstava Shepard Fairey, znan po svojem projektu Obey, bo prišel in zgradil zid v mestu.

- Ali vaša kreativna asociacija sama proizvaja pomene ali ste bolj posrednik med umetnikom in kupcem?

S: Naš glavni posel in glavni pomen je bienale Artmossphere, edini bienale v Rusiji, ki predstavlja umetnike z uličnim ozadjem. Njen cilj je predstavitev tuje in lokalne scene, ustvarjanje prostora za dialog, kulturno izmenjavo in platformo za razvoj lokalne skupnosti. Pravzaprav ima naše ustvarjalno društvo enake cilje. Za obstoj bienala občasno delujemo kot agencija, vendar smo pri izbiri partnerjev zelo izbirčni.

Bienale ima samostojen status - poteka z denarjem, ki ga zberemo sami, brez podpore kakršnih koli institucij, brez državnega financiranja, z denarjem komercialnih partnerjev, ki ga zaslužimo med letom. Potrebujemo denar, vendar je zelo pomembno tudi sporočilo, podtekst, s katerim prihaja partner. Ne bomo reklamirali cigaret, najprej bomo zelo natančno pogledali alkohol. Navsezadnje lahko podprete umetnost s kakšnim projektom, skupaj organizirate družabni ali dobrodelni dogodek ali pa preprosto rečete ljudem: "Pijte!" To ni naš primer.

Yu: Ločeno je treba omeniti, da se ne ukvarjamo s trženjem kot takim - komercialnim razvojem blagovne znamke partnerja. Vsi naši projekti so zelo pomenljivi, umetniška ideja pa je za nas najpomembnejša. Delno tudi zato se ne spuščamo v ponoreli format prireditvene agencije in organiziramo kakršne koli dogodke, ampak sodelujemo samo s tistimi, s katerimi se razumemo, ki želijo svoja sredstva vlagati v podporo umetnosti in umetnikom. Naši umetniki vedno narišejo, kar hočejo, in ne tistega, kar si je stranka »izmislila«. Vedno je najprej ustvarjalnost; nikoli nas ni bilo sram pokazati rezultat našega dela.

S: In seveda med projekti generiramo veliko pomenov in besedil, povezanih z okoljem ulične umetnosti, zbiramo in kopičimo informacije o njegovih predstavnikih, stilih, gibanjih. Zbrano znanje in izkušnje bomo prelili v enciklopedijo ulične umetnosti, na kateri trenutno dela naša ekipa.

Mural, ustvarjen v okviru festivala "Best City on Earth", avtor Rustam Qbic (Kazan)

S kakšnimi ponudbami običajno prihajajo k vam?

S: Najpogosteje nas iz starega spomina na leto 2013 in fasade »najboljšega mesta na svetu« prosijo, da narišemo reklame. Vedno zavračamo. Ne, enkrat so narisali superge za Adidas, je bilo zanimivo, a so se odločili, da ne bodo nadaljevali. Lahko bi delali takšne projekte za znamke, vendar znamke ne pridejo in rečejo: "Potrebujemo risbo takšnega in takega umetnika." Želijo, da je nekaj narisano po njihovem naročilu, po njihovih zamislih. Pri glasbenikih je tako: lahko nastopaš kjer koli, a le, če te hočejo poslušati.

Yu: Svež projekt, na katerem smo se zelo zanimali - , katerega avtorstvo je umetnik Misha Most - slikovna podoba s površino 10.800 m² na fasadi metalurškega obrata Vyksa (regija Nižni Novgorod).

- Kako je tako velika in od umetnosti daleč stranka prišla na idejo za ta projekt?

Yu: Imajo dobrodelno fundacijo "OMK-Participation"; v Vyksi že nekaj let zapored podpirajo festival "Art-ravine", da bi razvili okolje. Povabili so nas na veliko mednarodno tekmovanje»Vyksa 10.000« smo povezali našo mrežo kontaktov po vsem svetu, sestavili strokovno žirijo, ki je izbrala projekt Miše Mosta. Vse je bilo resnično.

S: Vse sloni na direktorici fundacije Irini Sedykh, ki ima dober okus in željo podpirati umetnost. Vedno je vse odvisno od posameznikov. Enako je z blagovnimi znamkami: en direktor marketinga ima rad eno smer in ko odide, se lahko strategija močno spremeni.

Delo Kirilla Ktoa, II. bienale Artmossphere

Ali je mogoče investirati v ulično umetnost ali kaj kupiti? In ali je vredno?

S: Seveda, to počnejo vsi. Z našimi prijatelji in partnerji Fundacijo RuArts letno organiziramo dražbo umetnikov z ozadjem ulične umetnosti – grobo rečeno tistih, ki so izšli iz grafitiranja in ulične umetnosti. Letos je bila dražba zelo uspešna: od 60 lotov je bilo prodanih 45, takšna statistika je pretiran pokazatelj na primer za sodobno umetnost. Na dražbah sodobne umetnosti prodaja običajno ni tako aktivna.

- Svetujte, v koga investirati?

S: V Kirilu Kdo, v Miši Mostu. Vse ista imena. Sam zbiram Bucket, všeč mi je.

- Kupci ulične umetnosti na dražbi - kdo so ti ljudje?

YU : To so ljudje, ki ljubijo umetnost - zbiralci, ali tisti, ki se želijo pridružiti takšni umetnosti in morda v prihodnosti postati zbiratelji.

S: Bog blagoslovi Marianno Sardarovo, Katrin Borisov in fundacijo RuArts za promocijo sodobne umetnosti, ki nas je sprva podprla in v tej ideji videla potencial. Med ljudmi s priložnostmi so bili prvi...

- Ali ni to na površini?

Če! Takrat smo vsak dan nekaj prodajali. To nista Dubossarsky in Vinogradov. Krog Marianne Sardarova, njeni prijatelji, so bili prvi, ki so investirali v ta trg, a vsako leto so se pojavili tudi nekateri ljudje od zunaj. Letos je prišel zelo znan nogometaš, njegovega imena ne bom omenjal. Iz Spartaka, seveda. Lepo je bilo videti, da ima športnik dober okus – kupil je točno takšna dela, ki bi jih jaz kupil za svojo zbirko.

- Najdražja parcela?

C: Delo francoskega umetnika Kena Sortaisa, delo je bilo odkupljeno za 4700 evrov. A leta 2016 je bil lot za 17.000 evrov, 183 Pašinih del, veste, kaj pravijo? Ne glede na to, kako žalostno se sliši, umetnik največkrat postane znan po smrti. Točno tako je. Načeloma so se zanimali zanj že v času njegovega življenja; Paša je bil genij. Imenovali so ga "ruski Banksy", a mu to ni bilo všeč. In ni bil noben Banksy, imel je toliko postsovjetske romantike, ki je Banksy nikoli ni imel in nikoli ne bo imel, preprosto zato, ker ni živel tukaj. In dejstvo, da je bila njegova tehnika šablonska, kot pri Banksyju, dobro. Banksy si je svoje podgane izposodil tudi od Bleka Le Rata.

- To je najlažji način za etiketiranje umetnika.

S: Lažje, ampak njemu ni bilo všeč. Navsezadnje je vse sestavil z lastnimi rokami; drugega takega DIY človeka ne poznam več.

Yu: Njegova razstava v MOMMI je bila zelo priljubljena. Muzej ga je moral celo podaljšati.

- Na spletni strani sem pogledal sestavo vaše ekipe: od 17 zaposlenih je 11 deklet. Ali obstaja kakšen razlog? V tem je nekakšna muzejska kakovost.

S: Zgodilo se je po naključju. Vsi v naši ekipi so večinoma dekleta, umetniki pa so večinoma moški. In izkaže se uravnoteženo.

- Na katere umetnike morate biti pozorni?

S: Moj najljubši je Darion Shabbash. Je iz Kazahstana, zdaj živi v Moskvi. In seveda, Katja Quel, vendar se je preselila v Berlin.

Grafit »Okno v Evropo«, nabrežje Tsarevicha, Vladivostok, 2012. Arhitekturni biro Concrete Jungle (ustanovitelja: Felix Mashkov in Vadim Gerasimenko).

Čas, ko so grafiti veljali za vandalizem, je potonil v temno preteklost. Danes so ulični umetniki zavzeli pravo mesto na piedestalu sodobne umetnosti. Mestne oblasti, ki so prej preganjale ustvarjalce po vsej zakonodaji, zdaj čakajo na naročila za oblikovanje javnih površin. Ulični umetniki ne samo, da naredijo naša mesta lepa in zanimiva; pogosto so sposobni premisliti obstoječo urbano krajino in spremeniti arhitekturni kontekst.

Po velikih imenih začetnikov ulične umetnosti - (Keith Haring), (Banksy) in (Jean-Michel Basquiat) se je na ulice podalo ogromno umetnikov, ki so slikali vse, kar jim je prišlo pod roke. Sami ulični umetniki menijo, da je skrajni čas, da se umetnost iz muzejev spusti na ulice. In čeprav je tipologijo sodobne umetnosti težko vsiliti v stroge okvire (postgrafiti, »intervencija«, muralizem ipd.), si prebivalci mesta in turisti želijo samo zabavo, obseg, estetiko, filozofsko sporočilo in svetle barve. Prav to gledalec dobi od uličnega umetnika.

Posebej za naše bralce vam pripovedujemo o največjih imenih v svetu sodobne ulične umetnosti in vas vabimo, da uživate v izboru najbolj spektakularnih projektov ulične umetnosti.

Slikanje Lampas

Kaligrafija s površino 1625 kvadratnih metrov. metrov je umetniku vzelo dva dni dela in zahtevalo 730 litrov barve.

Umetnik Arseny Pyzhenkov, ki izvira iz Korolev, je znan po vsem svetu kot (Pokras Lampas). Smešno zdaj ni več psevdonim, ampak uradno ime, ki je nastalo iz starega izraza "barva" med grafitarji in najbolj absurdne rime nanj. Slikarstvo deluje v slogu "kaligrafiti", kot je razvidno iz imena - na presečišču grafitov in kaligrafije. Nenehno je zaposlen z novimi projekti, na njegovih rokah pa so sledi sveže barve.

Umetniku je uspelo naslikati le polovico tunela od atrija do postaje Kursky. Razlog je v tem, da del pripada trgovskemu centru, del pa Ruskim železnicam, slednje pa Pokrasu niso želele dati svojega odseka.

Umetnika je proslavil njegov projekt ustvarjanja največje kaligrafije v Rusiji (in pravzaprav na svetu) na strehi Rdečega oktobra leta 2015. Leta 2017 je Pokras pobarval predor od postaje Kursky do nakupovalni center"Atrij" v Moskvi, ki ga navdihujejo dela ruskih avantgardnih umetnikov, citati in Majakovskega. Odmeven mednarodni projekt v kaligrafovi karieri je bilo poslikava strehe Palače italijanske civilizacije (Palazzo Della Civilta) v Rimu, ki služi tudi kot sedež.

»Pomembno je, da ustvarjalnost ne preraste v obrt. Glavna stvar je, da zaupate svoji intuiciji in delate samo tisto, v kar iskreno verjamete. Iskrena ustvarjalnost bo vedno cenjena,« Pokras Lampas.

Duo Estetika

Moskovski regionalni postgrafiti duo Aesthetics obstaja od leta 2004. Sestava udeležencev in koncept sta se skozi čas spreminjala, trenutno sta to Petro (Petr Gerasimenko) in Slak (Ilya Blinov).

Sodelovanje Petro in Slaka v okviru pilotnega projekta festivala Objekti narave. Aerosolna barva. Kotka (Finska), 2014.

Ekipa je šla od klasičnih grafitov do mešanja z abstraktnim slikarstvom. Umetniki delujejo na stičišču avantgarde in grafita, avtorski slog se izraža v bogatih barvah in lomljenih linijah.

Diptih brez naslova. Leva stran je Slak, desna Petro. Aerosolna barva, akril. Satka, regija Čeljabinsk, 2017.

Miša Most

Moskovski umetnik Misha Most se ukvarja z grafiti od leta 1997 in ustvarja slike od leta 2004. Avtor je hitro prešel iz kategorije "uličnih avtorjev" v polnopravne umetnike. Skoraj vsa avtorjeva dela so posvečena človeški prihodnosti.

Leta 2017 je umetnik ustvaril največjo stensko sliko na svetu, ki pokriva površino 10 tisoč kvadratnih metrov. metrov. Platno za delo "Evolucija 2.1" je bila gradnja industrijskega kompleksa v mestu Vyksa (regija Nižni Novgorod).

"Evolucija 2.1", Vyksa, regija Nižni Novgorod, 2017.

Jeseni istega leta me je Miša naučil risati drona. Temeljil je na pristopu »ustvarjanja slike brez umetnika«. Droni so dandanes zelo razširjeni, saj ljudje nenehno usposabljajo naprave, da naredijo nekaj novega. In umetnik se je odločil, da bo to »nekaj novega« vnesel v umetnost.

Projekt "Zbogom večne mladosti" je bil sestavljen iz več faz. Za začetek je Misha narisal predmet na tablico, nato pa je bila slika prenesena v poseben program, v katerem dron "leti". Potem, da bi dobili končni kos, ste morali samo pritisniti gumb - ostalo je naredil stroj.

“Slovo od večne mladosti”: Miša Most in dron.

Camilla Walala

Pravzaprav je britanska umetnica (Camille Walala) po poklicu oblikovalka tekstila. Toda pridobljena izobrazba je nikoli ni zares očarala. Zadnje čase Camilla je aktivno pozvana k oblikovanju betonskih škatel, nepomembnih fasad in prehodov za pešce.

Stavba Splice Post, London.

Walala deluje na meji sodobne umetnosti in arhitekture, navdušuje okolju energijo in optimistično razpoloženje s pomočjo svetlih barv in okraskov. Skupina je imela velik vpliv na umetnikovo delo.

Otroško igrišče v Londonu.

Prav v slogu tega oblikovalskega združenja je avtor okrasil pročelje industrijske stavbe v Brooklynu s 40-metrsko fresko. Koncept temelji na optičnih iluzijah, kontrastnih barvah in ponavljajočih se motivih v obliki črke L.

Fasada v duhu skupine Memphis, Brooklyn (New York).

Felice Varini

Platno Švicarke po rodu in zagrizene Parižanke po bivanju (Felice Varini) je bila arhitektura sama. Umetnik je znan po svojih značilnih optičnih iluzijah. Avtorjeva dela so upodobljena na stenah stavb in pločnikih, v parkih in trgih.

Carcassonne, Francija, 2018.

Podoba, ki jo je ustvaril Varini, na prvi pogled ni zaznana kot celota, razpade na ločene fragmente. In le z določenega "pravilnega" vidika se ornament razvije popolna slika. Varinijeva dela so videti tako neresnična, da je prva reakcija človeških možganov: "To je Photoshop!"

Lausanne, Švica, 2015.

Grand Palais, Pariz, Francija, 2013.

Žanr, ki si ga je izbral Varini, se imenuje anamorfoza. Glavna tema ustvarjalnost je postala geometrija - vrsta pravilnih likov: krogi, trikotniki, pravokotniki. Varinijeva dela so kot fatamorgane v puščavi: človek gleda hipnotični spektakel in nenadoma z enim napačnim gibom se vizija razblini.

Streha "stanovanjske enote" Le Corbusiera, Marseille, Francija, 2016.

Ill-Studio

Umetniki so v sodelovanju z modno znamko Pigalle korenito spremenili videz košarkarskega igrišča v Parizu. Leta 2015 so športni objekt odeli v ostre barve in jasne geometrijske oblike po motivih dela Kazimirja Maleviča.

Lokacija Pigalle Duperré v Parizu je stisnjena v ozek prostor med stavbami, 2015.

Leta 2017 se je studio obrnil na mehkejše, a nič manj učinkovite gradientne odtenke. "Pri delu na tej platformi smo želeli raziskati razmerje, ki se je v mnogih desetletjih razvilo med športom, umetnostjo in kulturo," pravijo avtorji projekta.

Pigalle Duperré, Pariz, 2017.

O projektu svetlega košarkarskega igrišča se je burno razpravljalo na internetu po vsem svetu. Moderni Instagram generaciji je bil prostor očitno všeč. Seveda to ni edini športni objekt, ki ima tako nestandardno obarvanost. Na primer, v belgijskem mestu Aalst je umetnica Katrien Vanderlinden delala na preoblikovanju drugega košarkarskega igrišča. Svetla površina je videti najbolj impresivna z višine kvadrokopterja.

Košarkarsko igrišče, Aalst, Katrin Vanderlinden.

In v italijanski Ravenni je urbano okolje poživilo še eno košarkarsko igrišče. Posodobitev je izvedel ulični umetnik Gue.

Košarkarsko igrišče, Ravenna, ulični umetnik Gue.

Daniel Buren

Delo francoskega konceptualnega umetnika (Daniel Buren) ima stalnico - črte. Zanimivo je, da je avtor idejno temo našel po naključju. Nekoč so bili na platnih, ki jih je naročil, sledi embalaže - črte, ki so zapolnile vsa njegova dela, ne glede na kontekst.

S platna se Francoz preseli v urbano okolje - s črtami označi metro postaje in pariška dvorišča. Od 70-ih let se umetnik ukvarja z večbarvnim steklom in svetlobo. Okna zgradb spreminja v vitraže in proučuje sence, ki jih mečejo. Buren je skupaj z italijansko galerijo Continua ustvaril obsežno instalacijo neposredno na fasadi stavbe pariške galerije Aveline v svojem značilnem slogu - z navpičnimi enobarvnimi črtami in vitraži.

Galerija Aveline, Pariz, Daniel Buren.

Šantel Martin

Slog mlade britanske umetnice (Shantell Martin) je zlahka prepoznaven. S črno-belimi obsežnimi risbami je Chantel pripravljena okrasiti karkoli – poslikati mestno obzidje ali okrasiti novo kolekcijo čevljev ali oblačil.