Kaj je romantika v slikarstvu. Povzetek: Romantika kot gibanje v umetnosti

SVETOVNA LIKOVNA KULTURA: Koncept, vsebina in morfologija multimedijskega kompleksa za srednje šole. – Sankt Peterburg: Asterion, 2004. – 279 str.

5.4. Doba romantike

5.4.1. splošne značilnosti

Romantika je idejno in umetniško gibanje v evropski kulturi poznega XVIII - 1 polovica 19. stoletja V. To je čas buržoaznih revolucij, političnih in gospodarskih preobratov v Evropi, za katerega je značilna kritičnost do sodobne stvarnosti in hkrati do zavračanih družbenih in političnih načel preteklosti 18. stoletja. (Obdobje razsvetljenstva). Romantika kot posebna vrsta pogleda na svet je postala eden najbolj kompleksnih in notranje protislovnih pojavov v zgodovini kulture. Razočaranje nad ideali razsvetljenstva in rezultati francoske meščanske revolucije leta 1789 so vnaprej določili pesimistični pogled na družbeni razvoj; miselnost »svetovne žalosti« je bila v romantiki združena z željo po harmoniji v svetovnem redu. Romantiki, ki so zavračali racionalizem in mehanizem razsvetljenstva, so vendarle ohranili temeljne koncepte prejšnje dobe: »naravni človek«, pogled na naravo kot veliko dobro načelo, željo po pravičnosti in enakosti.

V umetniški kulturi je propad upanja na svobodo, univerzalni mir in družbeno blaginjo določil glavni motiv tistega obdobja, ki je bil temeljnega pomena za estetiko romantike - "propad iluzij". Drugi pomemben motiv umetniškega delovanja, ki ga generira nesoglasje med idealom in realnostjo, nezmožnost doseganja idealov, sta »dva svetova«, tj. pobeg od realnosti v iluzorni svet mistike, idealizirane antike ali za Evropo daljnih, eksotičnih držav. Tako je bila med romantiki porušena svetovna harmonija. Svet je razpadel na nasprotujoče si kategorije: zemeljsko in večno življenje, Bog in hudič, junak in množica, sedanji čas in daljna preteklost, lepo in grdo, idealno in vsakdanje življenje.

V povezavi z novim svetovnim nazorom v dobi romantike se je postopoma spreminjalo razumevanje posameznika in razmerje med pomenom posameznika in družbe za kulturo. Za razliko od klasicizma, ki je poudarjal naravnost podobnost vsi ljudje, tj. prioriteta splošnega je romantika v ospredje postavljala posameznika drugačnost. Od tod tudi razumevanje romantične osebnosti kot osamljene, nerazumljene, uporne (aktivno ali pasivno) vsem in vsemu, polne ponosa, ki izziva Boga, družbo in množico.

V umetniški kulturi je romantika postala reakcija na racionalistično estetiko klasicizma. Vendar ne moremo reči, da romantika v umetnosti popolnoma zavrača tisto, kar je bilo doseženo v klasicizmu: romantika zapušča slogovne temelje klasicizma, premišlja jezik umetniških oblik, pa tudi ideološko usmeritev umetnosti. Kljub navidezni "polarnosti" pogledov klasicizma in romantike na človeka in njegovo mesto v svetu je ideja osebnosti poznega 18. - začetka 19. st. gre za kombinacijo racionalističnega ideala človeka razsvetljenstva z obvezno redukcijo vsega zasebnega, subjektivnega na splošno, transpersonalno in nekakšen romantični »pridih«. Ta ideja je dobila najbolj živ izraz v liriki - najbolj subjektivni vrsti literature, ki je postala eksponent romantičnih teženj v umetnosti.

Romantika kot slog v umetnosti se je najprej pojavila v literaturi, nato pa v drugih oblikah umetnosti. Tudi sam koncept »romantizma« je prišel iz literature in je bil izpeljan iz epiteta »romantika« (ki ga je kot literarni izraz prvi uvedel Novalis). Do 18. stoletja ta epitet je kazal na nekatere značilnosti literarnih del, napisanih v romanskih jezikih, zlasti na zabavo, številne dogodivščine in dogodke. Ob koncu 18. stol. »Romantično« so začeli razumevati širše: ne le kot avanturistično, zabavno, temveč tudi kot starodavno, izvirno ljudsko, oddaljeno, naivno, fantastično, duhovno vzvišeno, srhljivo, pa tudi osupljivo, strašljivo. Zato so romantiki pogosto idealizirali preteklost in poskušali zadihati novo življenje v mite in svetopisemske zgodbe. Fikcija postane kontrast realnosti.

Poleg književnosti (predvsem lirike) je bila druga oblika umetnosti, v kateri so se v celoti utelešala romantična težišča, glasba. Individualizem, ki se je ukoreninil v sentimentalizmu, je v dobi romantike dosegel neslutene razsežnosti. Posledično se je močno povečal status posameznika, umetnika-ustvarjalca. Osebna usoda, osebna drama je dobila univerzalni odmev, zato so v dobi romantike postala še posebej priljubljena dela z izpovednimi motivi. Glasba v kateri koli od svojih manifestacij je "izpoved duše". Ni naključje, da je I.I. Sollertinsky glasbo imenoval "zveneča avtobiografija", "nekakšen simfonični, vokalno-pesemski, klavirski dnevnik."

Za razliko od literarne romantike, ki se je pojavila ob koncu 18. stoletja, se je glasbena romantika pokazala šele v drugem desetletju 19. stoletja. Pomenljivo je, da izraz »romantična glasba« pripada E.T.A. Hoffmannu, pisatelju in skladatelju, katerega delo je simboliziralo združitev literature in glasbe, kar je bilo zelo pomembno za romantično estetiko. Če je bila v renesansi glavna oblika umetnosti slikarstvo, glavne ideje razsvetljenstva pa so se odražale v gledališču, potem je romantična estetika na prvo mesto postavila literaturo in glasbo. Še več, romantiki sami niso prišli do soglasja o tem, katera od teh vrst umetnosti zavzema višji položaj v »hierarhiji« umetnosti, ideja o združitvi literature in glasbe pa je tako »sintetično« ” zvrsti kot so opera, programska glasba, predvsem romantika -pesem. V območju instrumentalna glasba, manj dovzetna za ideje romantike, je postala najpomembnejša klavirska miniatura, sposobna ustvariti hitro skico razpoloženja, pokrajine ali značilne podobe. V slikarstvu lahko glavni romantični žanr štejemo za portret, v katerem je bila glavna stvar identifikacija svetlih likov, napetost duhovnega življenja, minljivo gibanje človeških občutkov, pa tudi avtoportret, ki skoraj nikoli ni bil viden v 18. stoletju. Številne značilnosti, značilne za romantično slikarstvo, so se nadaljevale v poznejših stilističnih gibanjih, na primer misticizem in kompleksen alegorizem - v simbolika, povečana čustvenost impulzivnost – v ekspresionizem.

Ivanov-Razumnik, ki je označil zahodnoevropsko romantiko, jo je razdelil na tri različice: nemško, angleško in francosko, ki jih je označil za logično ali romantiko mišljenja, etično ali romantiko volje in estetsko ali romantiko čutenja.

Nemčija Takrat je bila razdrobljena država, ki ni imela možnosti aktivno sodelovati pri kolonizaciji Vzhoda, ni imela dovolj sredstev za bojevanje v Evropi brez tuje pomoči. Vendar pa se v Nemčiji oblikujejo številne filozofske šole in učenja - ni sposobna aktivnega in odločnega delovanja, ima pa močan ideološki potencial. Za nemško romantiko so značilna melanholija, kontemplacija in mistično-panteistična razpoloženja. Nemška romantika se obrača k mitom, legendam, tradicijam in pripovedkam svojih ljudi, kar se odraža v literaturi, glasbi in slikarstvu tega obdobja. E.T.A. Hoffmann piše pravljice z uporabo številnih motivov iz nemške folklore; njegova opera "Ondine" se nanaša tudi na ljudske legende. Delo R. Wagnerja je skoraj v celoti zakoreninjeno v nemški mitologiji, junaških epih (Lohengrin, Parsifal, Nibelungov prstan itd.) in legendarni preteklosti njegove države (Leteči Holandec, Tannhäuser itd.). K. M. Weber (opera "Svobodni strelec") se obrača tudi na tradicijo svojega ljudstva.

Do začetka 19. stol. Avstrija je bil ogromen imperij, ki je vključeval Madžarsko, Češko, severno Italijo in jugovzhodno Bavarsko, zato je bila njegova nacionalna sestava raznolika: Čehi in Madžari, Slovaki in Hrvati, Romuni in Ukrajinci, Poljaki in Italijani, Avstrijci in Nemci sami tretjina prebivalstva. Tradicije, običaji, folklora in umetniška ustvarjalnost vsakega od teh narodov so vplivali na oblikovanje posebnosti avstrijske kulture. Vendar je vsa ta ljudstva združila habsburška dinastija. Za razliko od Nemčije, v kateri so se razvila ljudstva z nacionalne kulture niso imeli enotne države in so si zato prizadevali ustvariti nacionalno državo kot jamstvo za ohranitev svoje kulture, so narodi avstrijskega cesarstva živeli v okviru enotne države, ki je nastala že dolgo pred industrijsko revolucijo po dinastičnem principu in ni bila identificirana z nobenim od ljudstev pod njeno oblastjo. Zaradi nemški je bil materni za člane vladajoče dinastije, ti so ga imeli za uradni jezik države in najprimernejše sredstvo medetnične komunikacije njenih prebivalcev. Morda je bilo zato veliko značilnosti nemške umetniške kulture značilnih tudi za Avstrijo. Na primer, odnos do narave kot zatočišča pred težavami civilizacije, tolažba, zdravljenje nemirne osebe se jasno odraža v delih F. Schuberta (na primer vokalni cikel »Lepa mlinarjeva žena«), v katerem pri delu so čustvena doživetja posameznika tesno povezana s podobami narave.

Za razliko od Nemčije, Anglija Takrat je bila to napredna država z bogato politično in gospodarsko tradicijo ter obliko vladavine, po kateri se je zgledovala vsa Evropa in jo imela za najuspešnejšo (parlamentarna monarhija). Vendar, kot kaže zgodovina umetnosti, Anglija romantičnega obdobja ni ustvarila zanimive glasbe, dosežki romantike pa so bili prevedeni v dve vrsti umetnosti: literaturo in slikarstvo. Glavne teme angleške romantike so bile refleksije o romantični osebnosti, junaku njegovega časa, pa tudi o tem, kakšne moralne lastnosti bi moral imeti ta junak (na primer v delih J. G. Byrona "Childe Harold", "Don Juan" in v "Endimion" J. Keats). V angleškem romantičnem slikarstvu je prevladovala krajina kot odraz duhovne čistosti in velikih možnosti "naravnega človeka" (npr. pokrajine J. Constable).

francosko Romantika je bila živa refleksija dogodkov iz leta 1789, tj. Velika francoska revolucija. Zato je med vsemi regionalnimi različicami romantike francoščina najbolj učinkovita in aktivna, čustveno najbolj bogata. Dal je veliko imen različne vrste umetnost. Tako je bil v literaturi eden najvidnejših romantikov, ki je prvi oblikoval glavne značilnosti francoske romantike (predgovor k drami "Cromwell"), V. Hugo, drugi A. de Musset, znan po svoji izpovedni delo »Izpoved sina stoletja«. V glasbi je G. Berlioz postal velik inovator, eden prvih, ki je ustvaril žanr program simfon(»Fantastična simfonija«) in reformiral glasbena izrazna sredstva. Francoski umetniki reformirajo tudi umetniška in izrazna sredstva: dinamizirajo kompozicijo, združujejo oblike s hitrim gibanjem, uporabljajo svetle, bogate barve, ki temeljijo na kontrastih svetlobe in sence, toplih in hladnih tonov.

ameriški Romantika iz več razlogov ni predstavila ene same slike. Pomanjkanje globokih nacionalnih korenin, geografska oddaljenost od evropskih držav, mozaičnost kulture, ustvarjene na novi celini, pa tudi skrb za vzpostavitev neodvisnosti od Evrope so vnaprej določili pot ameriške romantike. Najprej je to poskus najti korenine svoje kulture v globinah kulture staroselcev - Indijancev. Zato se mnogi umetniki, zlasti literatura, obračajo na idealizacijo življenja Indijancev, njihove podobe (F. Cooper, G. Longfellow). Druge zanima narava te rodovitne zemlje, kar pomeni, da krajina postane eden najpogostejših romantičnih žanrov.

Znano je, da se je ruska romantika bistveno razlikovala od zahodnoevropske. Rusija na prelomu 18.–19. v svojem gospodarskem razvoju še ni »dohitela« Evrope, ni doživela njene buržoazne revolucije, zato tragičnost in brezupnost »svetovne žalosti«, »umik« v idealizirani srednji vek, značilen za nemščino, francoščino in angleščino. romantike, so bile ruski kulturi tuje. Ko govorimo o zahodnoevropskih tradicijah v ruski romantiki, ugotavljamo, da so občutki, značilni za Evropo ob koncu 18. stoletja, v Rusiji postali pomembni v povezavi z dvema dogodkoma v ruski zgodovini - domovinsko vojno leta 1812 in vstajo decembristov. domovinska vojna prispeval k rasti narodne samozavesti, dekabristični upor pa je bil nekakšna rešitev revolucionarne situacije, podobne zahodnoevropskim. Zato je bila zgodnja ruska romantika, ki se je razcvetela v drugem desetletju 19. stoletja, v nasprotju z zahodnoevropsko »bolj optimistična, aktivna, ofenzivna« (G. Gukovsky). Ruska kultura je doživljala čas revolucionarnega vzpona na vseh področjih kulture. Druga bistvena razlika med zahodnoevropsko in rusko romantiko je bila v tem, da je bila glavna gonilna družbena sila v Evropi tretji stan, v Rusiji pa plemiči – zato rusko romantiko pogosto imenujejo »plemenita«. Dejansko so najpomembnejši pojavi na področju ruske kulture v prvi polovici 19. st. potekala med plemstvom. Tudi boj za odpravo tlačanstva so vodili predvsem plemiči.

V tem času se je v ruski javni zavesti okrepilo kulturno nasprotje med Sankt Peterburgom in Moskvo. Spomnimo se, da je že v 18. st. Reakcionarnemu klasicističnemu Sankt Peterburgu je Moskva nasprotovala naprednemu sentimentalizmu tistega časa. IN začetku XIX V. V Moskvi so se pojavili prvi poganjki romantike. Bolj patriarhalna Moskva se je usmerila predvsem v pasivno smer romantike, katere glavna ideja je bil umik v idealizem, medtem ko je peterburška kultura odsevala njen aktivni revolucionarno-izobraževalni, kolektivni začetek. Kultura Puškinovega Peterburga je ostala bistveno usmerjena na dosežke zahodnoevropskega razsvetljenstva, tj. nekaterim špekulativnim izrekom o preobrazbi družbe, medtem ko je moskovski sentimentalizem prerasel v romantiko in na prvo mesto postavil ustvarjalno osebnost.

Romantika je postala zadnja vseevropski slog v umetnosti. Vendar pa je treba poleg splošnih značilnosti opozoriti, da je vsaka država ustvarila svoj edinstven, izviren romantični okus. To je posledica dejstva, da v okviru romantike, ki je sprožila hitro rast narodne samozavedanja, nastaja ogromno nacionalnih umetniških šol, od katerih ima vsaka svoje edinstvene ideje, teme, najljubše žanre, npr. tudi poseben nacionalni slog.

SPLOŠNE ZNAČILNOSTI DOBE ROMANTIKE.

romantika - (francosko)romantika), ideološka in umetniška smer v evropski in ameriški duhovni kulturi poznega 18. in 1. polovice 19. stoletja. francosko romantikaizhaja iz španščineromantika(tako so se v srednjem veku imenovale španske romance, nato pa romantika), prek angleščineromantično(romantično), upodobljeno v francoščiniromanski, in potemromantično in pomen v 18. stol. čudno, fantastično, slikovito. V začetku 19. stol. beseda romantika postane izraz za novo literarno gibanje, nasprotno klasicizmu.

Romantika v tradicionalnem, specifično zgodovinskem pomenu besede je bila najvišja točka protirazsvetljenskega gibanja, ki je zajelo vse evropske države. Njeno glavno družbenoideološko izhodišče je razočaranje nad meščansko civilizacijo, nad družbenim, industrijskim, političnim in znanstvenim napredkom, ki je prinesel nova nasprotja in nasprotja ter duhovno opustošenje posameznika.

Romantiki, ki so podedovali tradicijo umetnosti srednjega veka, španskega baroka in angleške renesanse, so razkrili izjemno kompleksnost in globino notranje narave človeka. Za njih je človek majhno vesolje, mikrokozmos. Intenzivno zanimanje za močna in živa čustva, vsesplošne strasti, za skrivna gibanja duše, za njeno novo stran, hrepenenje po individualnem, nezavednem - bistvene značilnosti romantične umetnosti.

Poglejmo, kako so se romantične težnje kazale na različnih področjih umetnosti.

GLASBA.

V glasbi se je romantika kot gibanje pojavila v dvajsetih letih 19. stoletja. Zadnje obdobje njenega razvoja, imenovano neoromantika, zajema zadnja desetletja 19. stoletja. Glasbena romantika se je najprej pojavila v Avstriji (F. Schubert), Nemčiji (C.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) in Italiji (N. Paganini, V. Bellini, zgodnji G. Verdi); nekoliko pozneje v Franciji (G. Berlioz, D. Aubert), Poljski (F. Chopin), Madžarski (F. Liszt). V vsaki državi je dobil nacionalno obliko; včasih so se v eni državi razvila različna romantična gibanja (Leipziška šola in Weimarska šola v Nemčiji). Če se je estetika klasicizma osredotočila na plastične umetnosti z njihovo lastno stabilnostjo in popolnostjo umetniške podobe, potem je za romantike glasba postala izraz bistva umetnosti kot utelešenja neskončne dinamike notranjih izkušenj.

Glasbena romantika je sprejela tako pomembne splošne usmeritve romantike, kot so antiracionalizem, primat duhovnega in njegov univerzalizem, osredotočenost na notranji svet človeka, neskončnost njegovih občutkov in razpoloženj. Od tod posebna vloga liričnega načela, čustvene spontanosti, svobode izražanja. Tako kot romantične pisatelje je tudi za glasbene romantike značilno zanimanje za preteklost, za daljne eksotične dežele, ljubezen do narave in občudovanje ljudska umetnost. V njuna dela so prevedene številne ljudske pravljice, legende in verovanja. Ljudsko pesem so imeli za temelj profesionalne glasbene umetnosti. Folklora je bila zanje pravi nosilec nacionalne barve, zunaj katere si umetnosti niso mogli predstavljati.

Romantična glasba se bistveno razlikuje od glasbe pred njo dunajske klasične šole. Vsebinsko je manj posplošen in ne odseva realnosti na objektivno-kontemplativen način, temveč skozi osebna doživetja človeka (umetnika) v vsem njenem bogastvu odtenkov. Teži k sferi značilnega in hkrati portretno-individualnega, pri čemer je fiksiran v dveh glavnih različicah: psihološki in žanrsko-vsakdanji. Veliko bolj so zastopani ironija, humor in celo groteska. Hkrati se povečuje zanimanje za narodno-patriotske in herojske osvobodilne teme (Chopin, Liszt, Berlioz). Glasbena vizualizacija in snemanje zvoka dobivata velik pomen. Izrazna sredstva se bistveno posodabljajo. Melodija postane bolj individualizirana in izrazita, notranje spremenljiva, odzivna na najtanjše premike duševnih stanj; harmonija in instrumentacija postaneta bogatejša, svetlejša, barvita. V nasprotju z uravnoteženimi in logično urejenimi strukturami klasike se povečuje vloga primerjav in prostih kombinacij različnih značilnih epizod.

V središču pozornosti številnih skladateljev je bila najbolj sintetična zvrst opere, ki je med romantiki temeljila predvsem na pravljično-fantastičnih, magičnih, pustolovskih in eksotičnih zapletih. Prva romantična opera je bila Hoffmannova Ondina.

V instrumentalni glasbi simfonije in sonate ostajajo odločilni žanri. Vendar so bili tudi oni preoblikovani od znotraj. V instrumentalnih delih različnih oblik se izraziteje odražajo težnje po glasbenem slikarstvu. Pojavijo se nove žanrske sorte, na primer simfonična pesnitev, ki združuje značilnosti sonatnega alegra in sonatno-simfoničnega cikla. Njegov pojav je posledica dejstva, da se glasbeno programiranje pojavlja v romantiki kot ena od oblik sinteze umetnosti, obogatena z instrumentalno glasbo skozi enotnost z literaturo. Nova zvrst je bila tudi instrumentalna balada. Težnja romantikov, da življenje dojemajo kot pestro serijo posameznih stanj, slik, prizorov, je pripeljala do razvoja različnih vrst miniatur in ciklov (Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms)

V glasbeni in uprizoritveni umetnosti se je romantika kazala v čustveni intenzivnosti izvajanja, bogastvu barv, svetlih kontrastih in virtuoznosti (Paganini, Chopin, Liszt). V glasbenem izvajanju, tako kot pri delih manjših skladateljev, se romantične poteze pogosto kombinirajo z zunanjo učinkovitostjo in salonskostjo. Romantična glasba ostaja trajna umetniška vrednost in živa, učinkovita zapuščina za naslednja obdobja.

GLEDALIŠČE.

V gledališki umetnosti se je romantika oblikovala v letih 1810-1840. Osnova gledališke estetike sta bila domišljija in občutki. Igralci so se uprli klasičnemu principu plemenitenja narave in se osredotočili na prikaz kontrastov in protislovij človeškega življenja. Javni patos, strast do obtožbe in zvestoba idealu so določili intenzivno čustvenost, svetlo + dramatično izražanje umetnosti igralcev in impulzivno gesto. Toda romantični svetovni nazor je s seboj nosil tudi nevarnost ustvarjalnega subjektivizma (poudarjanje izjemnega, muhastega); čustvenost so včasih zamenjali retorični učinki in melodrama. Romantično gledališče je prvo uveljavilo odrsko doživetje, spontanost, resničnost in iskrenost igre kot glavno igralsko vsebino. Romantika je obogatila tudi izrazna sredstva gledališča (poustvarjanje lokalnega kolorita, zgodovinska pristnost kulis in kostumov, žanrska verodostojnost množičnih prizorov in produkcijskih podrobnosti). Njegovi umetniški dosežki so pripravili in v veliki meri določili osnovne principe realističnega gledališča.

UMETNOST.

IN likovna umetnost Romantika se je najbolj jasno pokazala v slikarstvu in grafiki, manj izrazito v kiparstvu. V arhitekturi se je romantika slabo odražala in je vplivala predvsem na krajinsko vrtnarjenje in arhitekturo majhnih oblik, kjer je vplivala strast do eksotičnih motivov, pa tudi na smer lažne gotike. Konec 18. - začetek 19. st. značilnosti romantike so že v različni meri prisotne: v Angliji - v slikah in grafičnih delih Fuslija, v katerih temna, prefinjena groteska pogosto prebija klasicistično jasnost podob; v slikarstvu, grafiki in poeziji W. Blakea - romantika je prežeta z mističnim vizionarstvom; v Španiji - kasnejša ustvarjalnost Goyino delo je polno nebrzdane fantazije in tragičnega patosa, strastnega protesta proti fevdalnemu zatiranju in nasilju.

Zavračajoč vse običajno in inertno v sedanjosti, obračajoč se le na vrhunce, dramatično akutne trenutke sodobne zgodovine, so romantiki našli teme in zaplete v zgodovinski preteklosti, legendah, folklori, v eksotičnem življenju vzhoda, v delih Danteja. , Shakespeare, Byron, Goethe - ustvarjalci monumentalnih podob in močnih likov.

Romantika postavlja človeka v središče vesolja. Človek je po mnenju romantikov krona procesa svetovnega vzpona. V portretu je bilo glavno za romantike razkriti svetlo individualnost človeka, intenzivno duhovno življenje in gibanje njegovih minljivih občutkov. Romantična pokrajina, ki poudarja moč naravnih elementov, postane tudi odmev človeških strasti. Romantiki so skušali svojim slikam prenesti uporniško strast in junaško vznesenost, poustvariti naravo v vseh njenih nepričakovanih, edinstvenih manifestacijah v napeti, ekspresivni, vznemirjeni umetniški obliki.

V nasprotju s klasicizmom so romantiki dali kompoziciji večjo dinamiko, združili oblike z nasilnim gibanjem in se zatekli k ostrim volumetrično-prostorskim učinkom; Uporabljali so svetle, bogate barve, ki so temeljile na kontrastih svetlobe in sence, toplih in hladnih tonov, iskrivega in lahkotnega, pogosto posplošenega sloga pisanja.

Tako je z vso kompleksnostjo ideološke vsebine romantike njena estetika kot celota nasprotovala estetiki klasicizma 17. in 18. stoletja. Romantiki so z duhom discipline in zamrznjene veličine razbili stoletja stare kanone klasicizma. Romantiki so v boju za osvoboditev umetnosti izpod male regulacije branili neomejeno svobodo umetnikove ustvarjalne domišljije. Ker so zavračali omejujoča pravila klasicizma, so vztrajali pri mešanju žanrov in svojo zahtevo utemeljevali z dejstvom, da ustreza resničnemu življenju narave, kjer se mešata lepota in grdota, tragično in komično. Poveličujoč naravna gibanja človeškega srca so romantiki v nasprotju z racionalističnimi zahtevami klasicizma postavili kult čustev; logično posplošenim likom klasicizma je nasprotovala njihova skrajna individualizacija.

SPLOŠNA NAČELA UREJANJA OPERNE PREDSTAVE V DOBI ROMANTIKE.

V operni hiši iz 19. stoletja. Opazimo dva značilna pojava:

- trend »zgodovinske rekonstrukcije« na področju scenografije;

- vzpon »bel canta«;

Tudi v 20. letih. 19. stoletje Začne se boj za vzpostavitev romantične drame. V dekorativni umetnosti je prišlo do spremembe sloga. Romantiki so pripisovali velik pomen barvi kraja in časa. Oder je moral poustvariti dogajanje tiste dobe, ki je bila prikazana v predstavi. Lokacija dogajanja ni več posplošena. Zdaj to ni palača in trg pred njo, ampak rimska, francoska, španska palača z natančnimi znaki nacionalnega sloga.

Pokrajina v romantičnem gledališču skuša prikazati naravo brez umetnih olepšav v vsej njeni prvinski veličini.

Romantiki so v svoje igre vnašali podobe skrivnostnih jam, ječ in ječ. Scenografija pogosto prikazuje nevihto na morju, nevihto, vulkanski izbruh in druge naravne pojave.

V razmerah razvite meščanske družbe se dogaja neka demokratizacija gledališča. Nastanejo javne operne hiše, katerih avditorij odraža razredno razslojenost občinstva. Ogromna dvorana s 5-6 nadstropji ima sedeže za javnost različnih rangov in položajev v družbi.

Najpomembnejše spremembe v stoletju so se zgodile pri osvetlitvi avditorija in odra. Že ob koncu 18. stol. Namesto sveč, ki so prej razsvetljevale gledališki prostor, so se pojavile plinske svetilke, ki so ostale skoraj vse 19. stoletje. vse dokler jih niso zamenjali različni tipi električna razsvetljava. Prvi obločni reflektor se je pojavil sredi 19. stoletja. Od izuma dinama v zadnji četrtini stoletja se je povečalo število in moč tovrstnih svetlobnih virov, ki omogočajo ustvarjanje različnih svetlobnih učinkov (svetli sončni žarki, ki vdirajo v temen prostor, Mesečina, oblaki, ki se premikajo po večernem nebu itd.)

Konec stoletja so gledališča prešla na osvetljevanje z električnimi svetilkami, obdržala pa so tudi reflektorje.

Že v prvi polovici stoletja so v gledališču nastajali spektakli, ki so verodostojno reproducirali gibanje posadk, jezdecev in morskih plovil. Zelo zanimive so bile vodne pantomime, ko so na odru postavili ogromne vodne bazene, na katerih se je odvijala nekakšna morska dogodivščina. V zvezi s tem so gledališča z uporabo starih gledaliških učinkov ustvarila veliko novih.

V klasičnem antičnem gledališču je bilo prizorišče dogajanja enako za celotno igro. Med renesanso v Italiji se je isto načelo ohranilo. V 17. stoletju V teoriji drame v Franciji so bila trdno uveljavljena pravila enotnosti kraja, po katerih se je celotno dejanje predstave odvijalo v isti kulisi. To pravilo ni bilo upoštevano v javnem gledališču na trgu, pa tudi v ljudskem humanističnem gledališču renesanse v Španiji in Angliji. A tudi tam je zmagalo pravilo enotnosti kraja. V operi so bila včasih dovoljena odstopanja od tega pravila, kar je omogočilo spektakularno menjavo kulise s pomočjo telarijev (vrtljivih prizm). Tako je bilo vse do prvih desetletij 19. stoletja. Romantiki so zavračali prostorsko enotnost v drami. Spremembe kulise so se odslej začele pojavljati večkrat skozi predstavo. Med odmori je prišlo do sprememb. Toda za zmanjšanje premorov med dejanji je bila potrebna naprednejša tehnika od obstoječe. Številna prejšnja sredstva, razvita v stoletjih razvoja gledališča, so bila dopolnjena s številnimi pomembnimi pripomočki. Prva po pomembnosti je naprava za menjavo scenske plošče. Odrska tla so bila s pomočjo hidravličnih in električnih strojev delno ali v celoti dvignjena in postavljena pod kotom, kar je omogočilo ustvarjanje različnih pogojev za pestro odrsko dogajanje. Druga izboljšava je uvedba novega kroga na odru. In končno, tretja izboljšava je bila izdelava tako imenovanih žepov - velikih površin ob straneh odra, kjer so bili deli kulise pripravljeni na premikajočih se tablicah, hitro kotali naprej in prav tako hitro premaknjeni za oder.

Če se obrnemo na zgodovino opernih produkcij 19. stoletja, moramo biti pozorni na obstoj natančnih produkcijskih scenarijev, ki so jih napisali režiserji (to stališče se pojavi prvič v tem obdobju). Najprej so posneli vstope in odhode, diagrame odrskih pozicij, svetlobne učinke, o igralcu pa nič. Vse, kar zadeva igralčev koncept podobe, geste, zvočnosti, dramske ekspresivnosti, odsotnost teh informacij ne pojasnjuje toliko režiserjeva nemoč, temveč dejstvo, da je bil igralec prepuščen samemu sebi. Režiserju je pripadlo izključno načrtovanje scenografije, rekvizitov in mizanscene, ki so bili izvedeni tako, da se središče odra sprosti za nastopajoče v glavnih vlogah in da se pri izvedbi duetov in ansamblov pevci bi bili blizu drug drugemu, da bi se končno zbori združili po glasovih, vsi skupaj pa smo se znašli čim bližje odru in dirigentu.

Zunaj teh izjem zmaguje nekakšen operni »realizem«, tj. krčevito hitenje po odru ali, nasprotno, kipna negibnost z eno nogo naprej in razvpito roko na srcu.

Ker je bilo obdobje polno baletnih talentov, so skladatelji in dirigenti iskali vsako priložnost, da bi v vsaki predstavi pokazali umetnost plesalcev.

Tako je bila operna predstava živahen spektakel, z velikim številom arhitekturnih in krajinskih elementov, ki so služili kot kulisa pevki, ki je stala v ospredju.

PRODUKCIJA WAGNERJEVE OPERE "PRSTAN NIBELUNGA".

Wagner, ki je prerasel svojo dobo in jo daleč prehitel kot ustvarjalec in teoretik glasbene drame, je z njo neločljivo povezan kot režiser lastnih del.

"Prstan Nibelunga" režiserju postavlja številne težave glede strojev in scenografije.

Dno Rena in nenehen tok voda, plavalke in Alberich, ki se spreminja v kačo; Wotan, pade pod zemljo in izgine v megli Mime; ogenj, ki ga je zažgal kamen po udarcu Wotanovega kopja, in mavrica, po kateri bogovi vstopijo v Valhallo; pojav Erde in končno veličastna slika valkir, ki drvijo skozi oblake z mrtvimi bojevniki, privezanimi na sedla.

Da bi vse to uresničil, se Wagner zadovolji s tradicionalnim opernim odrom s slikovitim ozadjem, zavesami, zapornimi vrati in primitivnimi »čarobnimi lučmi«.

V svojih teoretičnih delih se Wagner nikjer ne upira umetniškim sredstvom svojega sodobnega gledališča, ampak nasprotno, izraža svoje občudovanje nad njimi: »Sodobno naravoslovje in krajinsko slikarstvo sta dosežka naše dobe, ki nas pripeljeta iz znanstvenega in umetniški pogled, zadovoljstvo in odrešitev pred norostjo in povprečnostjo... Po zaslugi krajinskega slikarstva postane prizor utelešenje likovne resnice, risba, barva in poživljajoča raba svetlobe pa prisilijo naravo, da služi najvišjim umetniškim stremljenjem. .Umetniška uporaba vseh optičnih sredstev, ki jih ima (pejsažist) na razpolago, in same svetlobe mu omogoča ustvarjanje popolne iluzije.”

Toda v praksi vse »življenjske uporabe svetlobe« in »optičnih sredstev« niso privedle do nič.

V produkcijah iz Bayreutha se srečujemo z istimi postavljenimi vzorci, ki jih je bilo v izobilju v večini produkcij tiste dobe. Tako dno Rena v prvem delu tetralogije spominja na velikanski akvarij; Siegfriedov mistični gozd je še naprej operni gozd, z zibajočim se platnom in grozljivimi rekviziti, poln opisnih podrobnosti, naturalistična »kaša« listov, vej in debel. V isto kategorijo učinkov je dvig kulise, ki predstavlja skale, ki prikazuje Wotanov spust v jame Nibelheima.

Izbris naturalističnih kontur zasnove, ki preveč vsiljivo poudarja tesno sorodstvo protogermanskega rastlinja s tratami in »soseskami« oper, kot je »Bela dama«, je doseženo s pomočjo vodne pare, ki se uporablja ne samo za ustvarjanje iluzije megle in meglice, ampak tudi za skrivanje pred očmi gledalcev so tehnični manevri, ki jih povzroča potreba po menjavi kulise z odprto zaveso.

Noben par pa ne more skriti nasmeha, ki ga privabijo Wagnerjeva navodila glede Erdinega dvojnega nastopa. Ta najstarejša boginja, gospodarica zemlje, mati bogov, naj bi do pasu štrlela iz gledališke lopute.

Ta naivno-komična, lahko bi rekli, groteskna rešitev odrske situacije, v očitnem kontrastu z veličastnim Wotanovim klicem in mogočnimi kipečimi zvoki orkestra, ni pritegnila pozornosti in jedkih napadov kritikov tiste dobe, ki so ugotavljali, primitivnost učinka uporabe »čarobne svetilke« v sliki bega Valkir in otroškega hrepenenja Sieckfrieda z zmajem, ki govori v megafon, zavija z očmi, udarja z repom po tleh in žvenketa z zobmi utrip glasbe.

Vloga svetlobe se spušča predvsem v naturalistično poimenovanje dneva in noči ter različnih sprememb v atmosferi, čeprav jo Wagner uporablja tudi kot simbol in jo v nekaterih primerih povezuje s pojavom določenih likov. Erda se pojavi v avreoli modre svetlobe; snop rdečih žarkov osvetljuje Wotanovo »Valkiro« in »Siegfrieda«. Eden od kritikov o tej igri svetlobe govori sovražno: »električni žarki, neenakomerni po svetlosti in moči, »požirajo« barve kulise in gledalci namesto dreves vidijo platna.«

Romantična neurejenost in pomanjkanje izraznosti, ki sta značilna za scenografijo, sta prav tako jasna v kostumih, ki spominjajo na Lormierjeve »zgodovinske rekonstrukcije« v pariški operi v času »Roberta Hudiča«. Kostumografi so težili k opisnim detajlom in detajlom, zato morda niti Brünnhildin oklep, ki prav nič mitološko poudarja njen pas, niti njena obleka (prav tako v modnih gubah), niti črtasta srajca, ki skupaj z živalsko kožo , sestavlja Sigmundovo obleko, niti napol grška, napol brez tunike, ki jo je oblikoval Loge, ne more prikazati sveta mitskih bogov, ki se spuščajo v brezno Nibelheima, hodijo po mavrici in poskakujejo v oblakih.

»V gledališču kraljuje samo gledališka umetnost,« piše Wagner, zato je v nasprotju s splošnim duhom, ki vlada na opernem odru, igralska plat predstave predmet njegove posebne skrbi.

Pevec, ki svoje vloge ne zna izvesti tako, kot bi šlo za vlogo v govorjeni drami, z globokim vpogledom v avtorjevo namero, ji ne more dati vokalne izraznosti, ki jo zahteva skladatelj. Zato Wagner zahteva posebno branje libreta, ki daje priložnost ne le solistom, ampak tudi zboru, da prodrejo v umetniški pomen dela in najdejo ustrezno ekspresivnost interpretacije, tako da jo vedno narekuje specifično situacijo.

Wagner je jasno opisal vokalni slog svojih glasbenih dram v pismu Lisztu: »V moji operi ni nobene razlike med frazami tako imenovane »deklamacije« in »petja«. Moje recitiranje je hkrati petje, moje petje je recitiranje. Nimam jasnega zaključka »petja« in jasnega videza »recitative«, ki običajno pomenita dvoje različnih stilov vokalno izvedbo. Pravzaprav italijanskega recitativa, ko skladatelj skoraj nič ne posveča pozornosti ritmu recitiranja in daje pevcu popolno svobodo, v mojem delu sploh ne boste našli. Na tistih mestih, kjer pesniško besedilo po vznemirjenih lirskih poletih zaide v enostavnejše manifestacije čustvene govorice, se nisem nikoli odpovedal pravici do tako natančnega nakazovanja značaja recitacije kot v lirskih vokalnih prizorih. Zato vsakdo, ki te odlomke vzame za navaden recitativ in posledično samovoljno spremeni ritem, ki sem ga navedel, iznakaže mojo glasbo v enaki meri, kot če bi za moje lirične melodije iznašel druge note in harmonije. Ker poskušam v teh odlomkih, ki spominjajo na recitative, natančno opredeliti ritem recitacije, ki ustreza izraznim ciljem, ki jih zasledujem, prosim dirigente in pevce, da te odlomke izvajajo predvsem v skladu z notnim zapisom izvirnika, takt, naveden v partituri, in v tempu, ki ustreza naravi govora ... "

Wagner se ukvarja z vprašanjem razumljivosti besed. Skriti orkester gledališča v Bayreuthu ni le »mistični brezen«, temveč tudi poskus omehčanja orkestrskega komentarja, tako da je v ospredju besedilo, ki ga govori igralec.

Tako Wagner od pevca postavlja dve glavni zahtevi:

- dosledno upoštevanje notnega zapisa

- predstavijo besedilo tako, da je slišno in razumljivo.

Wagnerjanskega igralca so čakale tudi druge naloge. Glavna je potreba po usklajevanju igre z glasbo. Wagner zahteva, da se odrsko dogajanje natančno ujema s spremljajočimi orkestrskimi motivi.

Po želji po sinhronizaciji gest in obrazne mimike z glasbo sledi skladateljeva želja, da bi jih naredil plemenite in zadržane. »Kjer nas je univerzalna operna manira navadila mahati z obema rokama narazen, kot da bi klicali na pomoč, smo opazili, da je rahlo dvignjena roka ali značilen gib rame ali glave povsem dovolj za izražanje še tako močnega občutka. ” ... je našel izraz v izvršni oblasti umetnost

: Turner, Delacroix, .... Če je Rusija v gospodarskem in družbeno-političnem razvoju zaostajala za naprednimi evropskimi državami, potem je v kulturnih dosežkih z njimi ne samo sledila, ampak je bila pogosto tudi pred njimi. Razvoj ruske kulture v prvi polovici 19. stoletja je temeljil na preobrazbah prejšnjega časa. Prodor elementov kapitalističnih odnosov v gospodarstvo je povečal potrebo po pismenih in izobraženih ljudeh. Mesta so postala velika kulturna središča.

V družbene procese so bili vpeti novi družbeni sloji. Kultura se je razvijala v ozadju vse večjega narodnega samozavedanja ruskega ljudstva in je imela v zvezi s tem izrazito nacionalni značaj. Imela je pomemben vpliv na literaturo, gledališče, glasbo in likovno umetnost. Domovinska vojna 1812, ki je do neslutene stopnje pospešila rast nacionalne samozavesti ruskega ljudstva in njegovo utrditev. Prišlo je do zbliževanja z ruskim narodom drugih narodov Rusije.

Začetek 19. stoletja upravičeno imenujemo zlata doba ruskega slikarstva. Takrat so ruski umetniki dosegli raven spretnosti, ki je njihova dela postavila na raven najboljših primerov evropske umetnosti.

Tri imena razkrivajo rusko slikarstvo 19. stoletja - Kiprenski , Tropinin , Venetsianov. Vsak ima drugačen izvor: nezakonski posestnik, podložnik in potomec trgovca. Vsakdo ima svoje ustvarjalne želje - romantik, realist in "vaški lirik".

Kljub zgodnji strasti do zgodovinskega slikarstva je Kiprenski znan predvsem kot izjemen portretist. Lahko rečemo, da je na začetku 19. st. postal je prvi ruski portretist. Stari mojstri, ki so zasloveli v 18. stoletju, se z njim niso mogli več kosati: Rokotov je umrl leta 1808, Levitsky, ki ga je preživel 14 let, ni več slikal zaradi očesne bolezni, Borovikovsky pa ni več živel. mesecev pred vstajo Decembrists, delal zelo malo.

Kiprenski je imel to srečo, da je postal umetniški kronist svojega časa. Za "Zgodovino v obrazih" lahko štejemo njegove portrete, ki prikazujejo številne udeležence zgodovinskih dogodkov, katerih sodobnik je bil: junake vojne 1812, predstavnike dekabrističnega gibanja. Koristna je bila tudi tehnika risanja s svinčnikom, katere poučevanju so na Akademiji za umetnost posvečali resno pozornost. Kiprenski je v bistvu ustvaril nov žanr- slikovni portret.

Kiprenski je ustvaril številne portrete ruskih kulturnikov, med njimi pa je seveda najbolj znan Puškin. Napisano je bilo po naročilu Delviga, pesnikovega licejskega prijatelja, leta 1827. Sodobniki so opazili neverjetno podobnost portreta z izvirnikom. Umetnik je podobo pesnika osvobodil vsakdanjih značilnosti, ki so značilne za Puškinov portret Tropinina, naslikan istega leta. Aleksandra Sergejeviča je umetnik ujel v trenutku navdiha, ko ga je obiskala pesniška muza.

Smrt je umetnika prehitela med njegovim drugim potovanjem v Italijo. Zadnja leta znanemu slikarju je šlo marsikaj narobe. Začel se je ustvarjalni padec. Tik pred smrtjo je njegovo življenje zasenčil tragičen dogodek: po pripovedovanju sodobnikov je bil umetnik lažno obtožen umora in se je bal zapustiti hišo. Tudi poroka z italijanskim učencem mu ni polepšala zadnjih dni.

Le malo ljudi je žalovalo za ruskim slikarjem, ki je umrl v tuji deželi. Med redkimi, ki so zares razumeli, kakšnega mojstra je ruska kultura izgubila, je bil umetnik Aleksander Ivanov, ki je bil takrat v Italiji. V tistih žalostnih dneh je zapisal: Kiprenski je »prvi razglasil rusko ime v Evropi«.

Tropinin se je v zgodovino ruske umetnosti zapisal kot izjemen portretist. Rekel je: "Portret osebe je naslikan v spomin na tiste, ki so mu blizu, tiste, ki ga imajo radi." Po mnenju sodobnikov je Tropinin naslikal približno 3000 portretov. Ali je temu tako, je težko reči. Ena od knjig o umetniku vsebuje seznam 212 natančno identificiranih oseb, ki jih je upodobil Tropinin. Ima tudi veliko del z naslovom "Portret neznane ženske". Državni dostojanstveniki, plemiči, bojevniki, poslovneži, manjši uradniki, podložniki, intelektualci in osebnosti ruske kulture so pozirali Tropininu. Med njimi: zgodovinar Karamzin, pisatelj Zagoskin, likovni kritik Odojevski, slikarja Bryullov in Aivazovski, kipar Vitali, arhitekt Gilardi, skladatelj Alyabyev, igralca Shchepkin in Mo-chalov, dramatik Sukhovo-Kobylin.

Eden od najboljša dela Tropinina - portret sina. Treba je reči, da je eno od "odkritij" ruske umetnosti 19. stoletja. tam je bil otroški portret. V srednjem veku so na otroka gledali kot na majhnega odraslega, ki še ni odrasel. Otroci so bili celo oblečeni v obleke, ki se niso razlikovale od odraslih: sredi 18. st. dekleta so nosila ozke steznike in široka krila z zavihki. Šele v začetku 19. stol. v otroku so videli otroka. Med prvimi so se tega lotili umetniki. V Tropininovem portretu je veliko preprostosti in naravnosti. Fant ne pozira. Ker ga je nekaj zanimalo, se je za trenutek obrnil: usta so mu bila rahlo odprta, oči so se mu svetile. Videz otroka je presenetljivo očarljiv in poetičen. Zlati razmršeni lasje, odprt, otroško poln obraz, živahen pogled inteligentnih oči. Čutite, kako ljubeče je umetnik naslikal portret svojega sina.

Tropinin je dvakrat slikal avtoportrete. Na poznejšem, iz leta 1846, je umetnik star 70 let. Upodobil se je s paleto in čopiči v rokah, naslonjen na maštabel – posebno palico, ki jo uporabljajo slikarji. Za njim je veličastna panorama Kremlja. Tropinin je bil v mladih letih junaške moči in dobre volje. Sodeč po avtoportretu je tudi v starosti ohranil svojo trdnost telesa. Okrogel obraz z očali izžareva dobro naravo. Umetnik je umrl 10 let kasneje, vendar je njegova podoba ostala v spominu potomcev - velika, prijazna oseba, obogaten Ruska umetnost s svojim talentom.

Venetsianov je odkril kmečko temo v ruskem slikarstvu. Bil je prvi med ruskimi umetniki, ki je na svojih platnih prikazal lepoto domače narave. Umetnostna akademija ni bila naklonjena krajinskemu žanru. Po pomembnosti je zasedla predzadnje mesto in za seboj pustila še bolj zaničljivo - gospodinjstvo. Le redki mojstri so slikali naravo, raje italijanske ali domišljijske pokrajine.

V mnogih delih Venetsianova sta narava in človek neločljiva. Povezani so tako tesno kot kmet z zemljo in njenimi darovi. Umetnik je ustvaril svoja najbolj znana dela - "Košara sena", "Na njivi", "Poletje" - v 20. letih. To je bil vrhunec njegove ustvarjalnosti. Nihče v ruski umetnosti ni znal prikazati kmečkega življenja in kmečkega dela s tako ljubeznijo in tako poetično kot Venecianov. Na sliki "Na zorani njivi. Pomlad" ženska kosi njivo. To težko, izčrpavajoče delo je na platnu Venetsianova videti vzvišeno: kmečka ženska v elegantnem sarafanu in kokošniku. S svojim lepim obrazom in prožno postavo spominja na starodavno boginjo. Vodena za uzde dveh poslušnih konj, vpreženih v brano, ne hodi, ampak se zdi, da lebdi nad poljem. Življenje okoli teče mirno, odmerjeno, mirno. Redka drevesa ozelenijo, beli oblaki plavajo po nebu, polje se zdi neskončno, na robu katerega sedi dojenček in čaka na svojo mamo.

Zdi se, da slika "Na žetvi" nadaljuje prejšnjo. Žetev je zrela, polja so polna zlatega strnišča – prišel je čas žetve. V ospredju s srpom odloženo kmečka žena doji otroka. Nebo, polje in ljudje, ki delajo na njem, so za umetnika neločljivi. Ampak še vedno glavni predmet njegova pozornost je vedno na osebi.

Venetsianov ustvaril celo galerijo portretov kmetov. To je bilo novo za rusko slikarstvo. V 18. stoletju ljudje iz ljudstva, zlasti pa podložniki, so umetnike malo zanimali. Po mnenju umetnostnih zgodovinarjev je bil Venetsianov prvi v zgodovini ruskega slikarstva, ki je »natančno ujel in poustvaril rusko ljudski tip". "Kosci", "Dekle s koruznicami", "Dekle s teletom", "Speči pastir" - čudovite podobe kmetov, ki jih je ovekovečil Venetsianov. Posebno mesto v umetnikovem delu so zasedli portreti kmečkih otrok. dober je "Zaharka" - deček z velikimi očmi, nosom in velikimi ustnicami s sekiro na rami!

Aleksej Gavrilovič je o sebi pustil dober spomin ne le kot umetnik, ampak tudi kot izjemen učitelj. Med enim od svojih obiskov v Sankt Peterburgu je kot študenta vzel umetnika začetnika, potem drugega, tretjega ... Tako je nastala celota. umetniška šola, ki se je v umetnostno zgodovino zapisala pod imenom Venetsianovskaya. Skozenj je v četrt stoletja šlo okoli 70 nadarjenih mladeničev. Venetsianov je poskušal podložne umetnike odkupiti iz ujetništva in je bil zelo zaskrbljen, če mu to ne uspe. Najbolj nadarjen izmed njegovih učencev, Grigorij Soroka, ni nikoli prejel svobode od svojega posestnika. Dočakal je odpravo tlačanstva, vendar je zaradi vsemogočnosti nekdanjega lastnika obupan naredil samomor.

Mnogi Venetsianovi učenci so živeli v njegovi hiši na polna vsebina. Spoznali so skrivnosti beneškega slikarstva: trdno spoštovanje zakonov perspektive, velika pozornost do narave. Med njegovimi učenci je bilo veliko nadarjenih mojstrov, ki so pustili opazen pečat v ruski umetnosti: Grigorij Soroka, Aleksej Tiranov, Aleksander Aleksejev, Nikifor Krilov. "Venetsianovtsy" - ljubeče so imenovali njegove ljubljenčke.

Tako lahko trdimo, da je v prvi tretjini 19. stoletja prišlo do hitrega vzpona kulturni razvoj Rusija in ta čas se imenuje zlata doba ruskega slikarstva.

Ruski umetniki so dosegli raven spretnosti, ki postavlja njihova dela na raven najboljših primerov evropske umetnosti.

Poveličevanje ljudskega podviga, njegove ideje duhovno prebujenje, ki razkriva razjede fevdalne Rusije - to so glavne teme likovne umetnosti 19. stoletja.

V portretiranju so še posebej izrazite značilnosti romantike - neodvisnost človekove osebnosti, njena individualnost, svoboda izražanja čustev.

Nastalo je veliko portretov ruskih kulturnikov, tudi otroških. V modo prihaja kmečka tema, pokrajina, ki je prikazovala lepoto domače narave.

Romantika - (francosko romantisme, iz srednjeveške francoščine romant - roman) je smer v umetnosti, ki se je oblikovala v okviru splošnega literarnega gibanja na prehodu iz 18. v 19. stoletje. v Nemčiji. Razširjen je bil v vseh državah Evrope in Amerike. Najvišji vrhunec romantike je bil v prvi četrtini 19. stoletja.

Francoska beseda romantisme izvira iz španske romantike (v srednjem veku so tako imenovali španske romance, nato pa za viteško romanco), angleške romantike, ki je prešla v 18. stoletje. v romantiki in potem pomeni »čuden«, »fantastičen«, »slikovit«. V začetku 19. stol. Romantika postane oznaka nove smeri, nasprotne klasicizmu.

Gibanje, ki je vstopilo v nasprotje "klasicizma" - "romantike", je predlagalo kontrast klasicistične zahteve po pravilih z romantično svobodo od pravil. Središče umetniškega sistema romantike je posameznik in njegov glavni konflikt- posamezniki in družba. Odločilni predpogoj za razvoj romantike so bili dogodki velike francoske revolucije. Pojav romantike povezujemo s protirazsvetljenskim gibanjem, vzroki zanj so razočaranje nad civilizacijo, nad družbenim, industrijskim, političnim in znanstvenim napredkom, katerega posledica so bila nova nasprotja in protislovja, izravnava in duhovno opustošenje posameznika. .

Razsvetljenstvo je pridigalo novo družbo kot najbolj »naravno« in »razumno«. Najboljši umi Evrope so utemeljevali in napovedovali to družbo prihodnosti, vendar se je izkazalo, da je realnost zunaj nadzora »razuma«, prihodnost je postala nepredvidljiva, iracionalna, sodobna družbena ureditev pa je začela ogrožati človekovo naravo in njegovo osebno svobodo. Zavračanje te družbe, protest proti brezduhovnosti in sebičnosti se kaže že v sentimentalizmu in predromantiki. Romantika najbolj ostro izraža to zavračanje. Romantika se je razsvetljenstvu zoperstavila tudi v besednem smislu: jezik romantičnih del, ki je stremel k naravnemu, »preprostemu«, dostopnemu vsem bralcem, je bil nekaj nasprotnega klasiki s svojimi plemenitimi, »vzvišenimi« temami, značilnimi npr. , klasične tragedije.

Pri poznih zahodnoevropskih romantikih dobi pesimizem v odnosu do družbe kozmične razsežnosti in postane »bolezen stoletja«. Za junake številnih romantičnih del so značilna razpoloženja brezupa in obupa, ki pridobijo univerzalni človeški značaj. Popolnost je za vedno izgubljena, svetu vlada zlo, starodavni kaos je obujen. Tema "groznega sveta", značilna za vso romantično literaturo, je bila najbolj jasno utelešena v tako imenovanem "črnem žanru" (v predromantičnem "gotskem romanu" - A. Radcliffe, C. Maturin, v " drama rocka«, ali »tragedija rocka« - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), pa tudi v delih Byrona, C. Brentana, E. T. A. Hoffmanna, E. Poeja in N. Hawthorna.

Hkrati pa romantika temelji na idejah, ki izzivajo " strašen svet", - najprej ideje svobode. Razočaranje romantike je razočaranje nad resničnostjo, vendar sta napredek in civilizacija le ena stran tega. Zavrnitev te strani, pomanjkanje vere v možnosti civilizacije zagotavljajo drugo pot, pot do ideala, do večnega, do absoluta. Ta pot mora razrešiti vsa nasprotja, popolnoma spremeniti življenje. To je pot do popolnosti, »k cilju, katerega razlago je treba iskati na drugi strani. vidno« (A. De Vigny) Za nekatere romantike vladajo nerazumljive in skrivnostne sile, ki jim je treba ubogati in ubogati, da ne poskušajo spremeniti usode (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). protest, zahteval maščevanje, boj (zgodnjemu A.S. Puškinu je bilo skupno, da so vsi videli eno samo bistvo v človeku). razvozlati skrivnost človeškega obstoja, se obračajo k naravi, zaupajo svojim religioznim in pesniškim občutkom.

Romantični junak je zapletena, strastna osebnost, notranji svet ki je nenavadno globok, neskončen; to je celotno vesolje, polno protislovij. Romantike so zanimale vse strasti, tako visoke kot nizke, ki so si nasprotovale. Visoka strast je ljubezen v vseh njenih manifestacijah, nizka strast je pohlep, ambicija, zavist. Romantiki so nasprotovali življenje duha, zlasti religijo, umetnost in filozofijo, z osnovno materialno prakso. Zanimanje za močne in žive občutke, vsesplošne strasti, skrivna gibanja duše - značajske lastnosti romantika.

O romantiki lahko govorimo kot o posebnem tipu osebnosti - osebi močnih strasti in visokih stremljenj, ki ni združljiva z vsakdanjim svetom. To naravo spremljajo izjemne okoliščine. Fantastika, ljudska glasba, poezija, legende postanejo privlačne za romantike - vse, kar je stoletje in pol veljalo za manjše žanre, nevredne pozornosti. Za romantiko je značilna afirmacija svobode, suverenosti posameznika, večja pozornost do posameznika, edinstvenega v človeku in kult posameznika. Zaupanje v lastno vrednost človeka se spremeni v protest proti usodi zgodovine. Pogosto junak romantično delo postane umetnik, sposoben ustvarjalnega dojemanja stvarnosti. Klasicistično »posnemanje narave« je postavljeno v nasprotje z ustvarjalno energijo umetnika, ki spreminja realnost. Ustvari se poseben svet, lepši in resničnejši od empirično zaznane realnosti. Prav ustvarjalnost je smisel obstoja, predstavlja najvišjo vrednoto vesolja. Romantiki so strastno zagovarjali ustvarjalno svobodo umetnika, njegovo domišljijo, saj so verjeli, da umetnikov genij ne upošteva pravil, ampak jih ustvarja.

Romantiki so se obračali v različna zgodovinska obdobja, privlačila jih je njihova izvirnost, privlačile so jih eksotične in skrivnostne dežele in okoliščine. Zanimanje za zgodovino je postalo eden od trajnih dosežkov umetnostnega sistema romantike. Izrazil se je v ustvarjanju žanra zgodovinski roman, katerega utemeljitelj velja za W. Scotta, in nasploh roman, ki je v obravnavani dobi pridobil vodilni položaj. Romantiki podrobno in natančno reproducirajo zgodovinske podrobnosti, ozadje in okus določene dobe, vendar so romantični liki podani zunaj zgodovine; praviloma so nad okoliščinami in niso odvisni od njih. Hkrati so romantiki dojemali roman kot sredstvo za razumevanje zgodovine, iz zgodovine pa so šli prodirati v skrivnosti psihologije in s tem tudi sodobnosti. Zanimanje za zgodovino se odraža tudi v delih zgodovinarjev francoske romantične šole (A. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

V dobi romantike je prišlo do odkritja kulture srednjega veka, občudovanje antike, značilno za prejšnjo dobo, pa tudi ni oslabelo konec 18. - začetka. XIX stoletja Različne nacionalne, zgodovinske, individualne značilnosti so imele in filozofski pomen: bogastvo ene same svetovne celote je sestavljeno iz kombinacije teh posameznih značilnosti in preučevanje zgodovine vsakega ljudstva posebej omogoča sledenje, kot je dejal Burke, neprekinjenemu življenju skozi nove generacije, ki sledijo ena za drugo.

Obdobje romantike je zaznamoval razcvet literature, katere ena od izrazitih lastnosti je bila strast do socialnih in političnih problemov. Poskuša razumeti vlogo človeka v tem, kar se dogaja zgodovinski dogodki, romantični pisci so težili k točnosti, specifičnosti in pristnosti. Hkrati se dogajanje njihovih del pogosto odvija v nenavadnem okolju za Evropejca - na primer na vzhodu in v Ameriki ali za Ruse na Kavkazu ali Krimu. Romantični pesniki so torej predvsem liriki in pesniki narave, zato v njihovem delu (pa tudi pri mnogih prozaistih) zavzema pokrajina pomembno mesto - najprej morje, gore, nebo, nevihtni elementi, s katerimi junak je povezana s kompleksnimi odnosi. Narava je lahko podobna strastni naravi romantičnega junaka, lahko pa se mu tudi upre, se izkaže za sovražno silo, s katero se je prisiljen boriti.

Nenavadne in žive slike narave, življenja, načina življenja in običajev daljnih držav in ljudstev so navdihovale tudi romantike. Iskali so lastnosti, ki so temelj narodnega duha. Nacionalna identiteta se kaže predvsem v ustnem ljudska umetnost. Od tod zanimanje za folkloro, obdelavo folklornih del, ustvarjanje lastnih del na podlagi ljudske umetnosti.

Razvoj žanrov zgodovinskega romana, fantastične zgodbe, lirsko-epske pesmi, balade je zasluga romantikov. Njihova inovativnost se je kazala tudi v besedilih, zlasti v rabi večpomenskosti besed, razvoju asociativnosti, metaforike ter odkritjih na področju verzifikacije, metra in ritma.

Za romantiko je značilna sinteza spolov in žanrov, njihovo prepletanje. Romantični umetnostni sistem je temeljil na sintezi umetnosti, filozofije in religije. Na primer, za misleca, kot je Herder, jezikoslovne raziskave, filozofske doktrine in potopisni zapiski služijo iskanju poti za revolucionarno prenovo kulture. Velik del dosežkov romantike je podedoval realizem 19. stoletja. - nagnjenost k fantaziji, groteski, mešanica visokega in nizkega, tragičnega in komičnega, odkritje »subjektivnega človeka«.

V dobi romantike se ni razcvetela samo književnost, ampak tudi številne vede: sociologija, zgodovina, politologija, kemija, biologija, evolucijski nauk, filozofija (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, naravna filozofija, bistvo ki se spušča v dejstvo, da je narava eno od božjih oblačil, "živo oblačilo božanskega").

Romantika je kulturni pojav v Evropi in Ameriki. IN različne države njegova usoda je imela svoje značilnosti.

Romantika v likovni umetnosti je v veliki meri temeljila na zamislih filozofov in pisateljev. V slikarstvu, tako kot v drugih zvrsteh umetnosti, je romantike privlačilo vse nenavadno, neznano, pa naj gre za daljne dežele z eksotičnimi navadami in nošami (Delacroix), za svet mističnih videnj (Blake, Friedrich, prerafaeliti) in čarobne sanje (Runge) ali mračne globine podzavesti (Goya, Fusli). Vir navdiha za številne umetnike je bila umetnostna dediščina preteklosti: stari vzhod, srednji vek in protorenesansa (nazarečani, prerafaeliti).

V nasprotju s klasicizmom, ki je povzdigoval bistro moč razuma, so romantiki opevali strastna, viharna čustva, ki so človeka popolnoma prevzela. Na nove trende sta se prva odzvala portret in krajina, ki sta postala priljubljena žanra romantičnega slikarstva.

Heyday portretni žanr je bilo povezano z zanimanjem romantikov za svetlo človeško individualnost, njeno lepoto in bogastvo duhovni svet. Življenje človeškega duha prevlada v romantičnem portretu nad zanimanjem za telesno lepoto, za čutno plastičnost podobe.

V romantičnem portretu (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) se vedno razkrije edinstvenost vsakega človeka, posreduje dinamika, intenziven utrip notranjega življenja in uporniška strast.

Romantike zanima tudi tragedija zlomljene duše: junaki njihovih del so pogosto duševno bolni ljudje (Gericault "Norka, ki trpi zaradi odvisnosti od drog") igre na srečo«, »Otroški tat«, »Norec, ki si predstavlja sebe kot poveljnika«).

Pokrajina romantiki so ga pojmovali kot utelešenje duše vesolja; narava se tako kot človeška duša pojavlja v dinamiki, stalni spremenljivosti. Urejene in oplemenitene krajine, značilne za klasicizem, so nadomestile podobe spontane, uporniške, mogočne, nenehno spreminjajoče se narave, ki ustreza zmedi čustev. romantični junaki. Romantiki so še posebej radi pisali nevihte, nevihte, vulkanske izbruhe, potrese, brodolome, ki so lahko močno čustveno vplivali na gledalca (Gericault, Friedrich, Turner).

Za romantiko značilna poetizacija noči - čudnega, neresničnega sveta, ki živi po svojih zakonitostih - je povzročila razcvet "nočnega žanra", ki je postal priljubljen v romantičnem slikarstvu, zlasti med nemškimi umetniki.

Ena prvih držav, v kateri se je razvila likovna romantika, je bilaNemčija .

Ustvarjalnost je opazno vplivala na razvoj žanra romantične krajineCaspar David Friedrich (1774-1840). V njegovi umetniški dediščini prevladujejo krajine, ki prikazujejo gorske vrhove, gozdove, morje, morsko obalo, pa tudi ruševine starih katedral, zapuščenih opatij, samostanov (»Križ v gorah«, »Katedrala«, »Opatija med hrastom«). Drevesa”). Običajno vsebujejo občutek nenehne žalosti zaradi zavedanja človekove tragične izgube v svetu.

Umetnik je ljubil tista stanja narave, ki najbolj ustrezajo njegovemu romantičnemu dojemanju: zgodnje jutro, večerni sončni zahod, lunin vzhod (»Dva razmišljata o luni«, »Samostansko pokopališče«, »Pokrajina z mavrico«, »Lunin vzhod nad morjem«, » Chalk Cliffs« na otoku Rügen«, »Na jadrnici«, »Pristanišče ponoči«).

Stalni liki njegovih del so osamljeni sanjači, zatopljeni v kontemplacijo narave. Ob pogledu na velikanske daljave in neskončne višave spoznavajo večne skrivnosti vesolja, odnesene v lep svet sanje. Friedrich ta čudoviti svet posreduje s pomočjo čarobno sijoče luči- sijoča ​​sončna ali skrivnostna luna.

Friedrichovo delo je vzbudilo občudovanje njegovih sodobnikov, vključno z I. W. Goethe in W. A. Žukovskega, po zaslugi katerega je Rusija pridobila veliko njegovih slik.

Slikar, grafik, pesnik in likovni teoretikFilip Otto Runge (1777-1810), se je posvečal predvsem portretnemu žanru. V svojih delih je poetiziral podobe navadnih ljudi, pogosto svojih ljubljenih (»Mi trije« - avtoportret z nevesto in bratom, ni ohranjen; »Otroci družine Huelsenbeck«, »Portret umetnika starši«, »Avtoportret«). Rungejeva globoka religioznost je bila izražena v slikah, kot sta "Kristus na obali Tiberijskega jezera" in "Počitek na letu v Egipt" (nedokončano). Umetnik je svoja razmišljanja o umetnosti povzel v svoji teoretični razpravi "Barvna sfera".

Želja po oživitvi verskih in moralnih temeljev v nemški umetnosti je povezana z ustvarjalnimi dejavnostmi umetnikov Nazareška šola (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). Združeni v nekakšno versko bratovščino (»unija sv. Luke«) so »nazarečani« živeli v Rimu po vzoru samostanske skupnosti in slikali slike na verske teme. Za zgled svojih ustvarjalnih iskanj so imeli italijansko in nemško slikarstvo.XIV - XVstoletja (Perugino, zgodnji Rafael, A. Durer, H. Holbein mlajši, L.Cranach). Na sliki "Zmagoslavje religije v umetnosti" Overbeck neposredno posnema Rafaelovo "Atensko šolo", Kornelij v "Jezdeci apokalipse" posnema Durerjevo istoimensko gravuro.

Člani bratovščine so menili, da sta glavni vrlini umetnika duhovna čistost in iskrena vera, saj so verjeli, da je »samo Sveto pismo Rafaela naredilo genija«. Samotno življenje v celicah zapuščenega samostana sta svoje služenje umetnosti povzdignila v duhovno službo.

»Nazarečani« so težili k velikim monumentalnim oblikam in skušali utelešati visoke ideale s pomočjo na novo oživljene freske. Nekatere slike sta dokončala skupaj.

V dvajsetih in tridesetih letih 19. stoletja so se člani bratovščine razkropili po vsej Nemčiji in dobili vodilne položaje na različnih umetniških akademijah. Samo Overbeck je živel v Italiji do svoje smrti, ne da bi spremenil svoja umetniška načela. Najboljše tradicije "Nazarečanov" so se dolgo ohranile v zgodovinsko slikarstvo. Njihovo ideološko in moralno iskanje je vplivalo na angleške prerafaelite, pa tudi na delo mojstrov, kot sta Schwind in Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), po rodu Avstrijec, delal v Münchnu. V štafelajnih delih upodablja predvsem videz in življenje starodavnih nemških provincialnih mest z njihovimi prebivalci. To je bilo storjeno z veliko poezijo in liriko, z ljubeznijo do svojih likov.

Carl Spitzweg (1808-1885) - münchenski slikar, grafik, briljanten risar, karikaturist, tudi ne brez sentimentalnosti, vendar z veliko humorja, govori o mestnem življenju ("Ubogi pesnik", "Jutranja kava").

Schwind in Spitzweg običajno povezujemo z gibanjem v nemški kulturi, znanim kot bidermajer.bidermajer - je eden najbolj priljubljenih stilov tega obdobja (predvsem na področju vsakdanjega življenja, pa tudi v umetnosti) . V ospredje je postavil meščane, povprečnega človeka na ulici. Osrednja tema Bidermajersko slikarstvo je postalo človekov vsakdan, ki teče v neločljivi povezanosti z domom in družino. Zanimanje bidermajerja ne za preteklost, ampak za sedanjost, ne za veliko, ampak za malo, je prispevalo k oblikovanju realistične težnje v slikarstvu.

Francoska romantična šola

Najbolj dosledna šola romantike v slikarstvu se je razvila v Franciji. Nastala je kot nasprotje klasicizmu, ki se je izrodil v hladen, racionalen akademizem in je postavil tako velike mojstre, ki so določili prevladujoč vpliv francoske šole v 19. stoletju.

Francoski romantični umetniki so težili k temam, polnim drame in patosa, notranje napetosti, daleč od »dolgočasnega vsakdana«. Z njihovo utelešenjem so prenovili slikovna in izrazna sredstva:

Z imenom so povezani prvi sijajni uspehi romantike v francoskem slikarstvuTheodora Gericault (1791-1824), ki je pred drugimi znal izraziti čisto romantično občutenje konflikta v svetu. Že v njegovih prvih delih je opaziti njegovo željo po prikazovanju dramatičnih dogodkov našega časa. Na primer, slike "Mounted Rifle Officer Going on Attack" in "Wounded Cuirassier" so odražale romantiko napoleonske dobe.

Gericaultova slika "Splav Meduze", posvečena nedavnemu dogodku, je imela velik odmev moderno življenje- smrt potniške ladje po krivdi ladjarske družbe . Gericault je ustvaril velikansko platno 7x5 m, na katerem je upodobil trenutek, ko so ljudje na robu smrti na obzorju zagledali reševalno ladjo. Ekstremna napetost je poudarjena z ostrim, mračnim barvna shema, diagonalna sestava. Ta slika je postala simbol sodobne Gericaultove Francije, ki je tako kot ljudje, ki bežijo pred brodolomom, izkusila upanje in obup.

Umetnik je temo svoje zadnje velike slike "Epsom Races" našel v Angliji. Upodablja konje, ki letijo kot ptice (najljubša podoba Gericaulta, ki je kot najstnik postal odličen jahač). Vtis hitrosti poveča določena tehnika: konji in džokeji so naslikani zelo previdno, ozadje pa široko.

Po Géricaultovi smrti (umrl je tragično, na vrhuncu moči in talenta) je njegov mladi prijatelj postal priznani vodja francoskih romantikov.Eugene Delacroix (1798-1863). Delacroix je bil vsestransko nadarjen, imel je glasbeni in literarni talent. Njegovi dnevniki in članki o umetnikih so najzanimivejši dokumenti te dobe. Njegove teoretične študije barvnih zakonov so imele velik vpliv na bodoče impresioniste in še posebej na V. Van Gogha.

Delacroixova prva slika, ki mu je prinesla slavo, je bila "Dante in Virgil" ("Dantejeva ladja"), ki je temeljila na zapletu "Božanske komedije". Svoje sodobnike je presenetila s strastnim patosom in močjo mračnega kolorita.

Vrhunec umetnikove ustvarjalnosti je bila "Svoboda na barikadah" ("Svoboda, ki vodi ljudi"). Pristnost resničnega dejstva (slika je nastala na vrhuncu julijske revolucije leta 1830 v Franciji) se tu zlije z romantičnimi sanjami o svobodi in simboliko podob. Lepa mlada ženska postane simbol revolucionarne Francije.

Odziv na sodobne dogodke je bila tudi zgodnejša slika »Masaker na Hiosu«, posvečena boju grškega ljudstva proti turški oblasti. .

Po obisku Maroka je Delacroix odkril eksotični svet arabskega vzhoda, ki mu je posvetil veliko slik in skic. V "Alžirskih ženskah" se je svet muslimanskega harema prvič pojavil pred evropskim občinstvom.

Umetnik je ustvaril tudi vrsto portretov predstavnikov ustvarjalne inteligence, od katerih so bili mnogi njegovi prijatelji (portreti N. Paganinija, F. Chopina, G. Berlioza itd.)

IN pozno obdobje Delacroixova ustvarjalnost je težila k zgodovinskim temam, deloval je kot monumentalist (poslikave v poslanski zbornici, senatu) in kot grafik (ilustracije za dela Shakespeara, Goetheja, Byrona).

Imena angleških slikarjev romantične dobe - R. Benington, J. Constable, W. Turner - so povezana z žanrom krajine. Na tem področju so res obrnili novo stran: domačo naravo v svojem delu našli tako širok in ljubeč odsev, kakršnega v tistem času ni poznala nobena druga država.

John Constable (1776-1837) je bil eden prvih v zgodovini evropske krajine, ki je v celoti pisal skice iz življenja in se usmeril k neposrednemu opazovanju narave. Njegove slike so preproste v svojih motivih: vasi, kmetije, cerkve, pas reke ali morske plaže: "Hay Wagon", Detham Valley, "Salisburyjska katedrala iz škofovega vrta." Constableova dela so bila spodbuda za razvoj realistične krajine v Franciji.

William Turner (1775-1851) - marinski slikar . Privlačilo ga je razburkano morje, nalivi, nevihte, poplave, tornadi: »Zadnje potovanje ladje »Brave«, »Nevihta nad Piazzetto«. Drzna koloristična raziskovanja in redki svetlobni učinki njegove slike včasih spremenijo v sijoče fantazmagorične spektakle: »Ogenj londonskega parlamenta«, »Blizzard. Parnik zapusti pristanišče in pošlje signale za pomoč, ko zaide v plitvo vodo.« .

Turner je lastnik prve slike parne lokomotive, ki vozi po tirnicah, simbola industrializacije. V filmu "Dež, para in hitrost" parna lokomotiva drvi po Temzi skozi megleno deževno meglico. Zdi se, da se vsi materialni predmeti zlijejo v sliko fatamorgane, ki odlično izraža občutek hitrosti.

Turnerjeva edinstvena študija svetlobnih in barvnih učinkov je v veliki meri predvidela odkritja francoskih impresionističnih umetnikov.

Leta 1848 je nastal v Anglijiprerafaelitska bratovščina (iz latinščine prae - "pred" in Raphael), ki je združevala umetnike, ki niso sprejeli svoje sodobne družbe in umetnosti akademske šole. Svoj ideal so videli v umetnosti srednjega veka in zgodnje renesanse (od tod tudi ime). Glavni člani bratovščine soWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Ti umetniki so v svojih zgodnjih delih namesto podpisov uporabljali kratico RV .

Ljubezen do antike je bila podobna romantiki prerafaelitov. Obrnili so se na svetopisemske teme (»Luč sveta« in »Nezvesti pastir« W. H. Hunta; »Marijino otroštvo« in »Oznanjenje« D. G. Rossettija), zaplete iz zgodovine srednjega veka in igre W. Shakespeare (»Ofelija« Millaisa).

Da bi slikali človeške figure in predmete v njihovi naravni velikosti, so prerafaeliti povečali velikost svojih platen in naredili krajinske skice iz življenja. Liki na njihovih slikah so imeli prototipe med resničnimi ljudmi. Na primer, D. G. Rossetti je v skoraj vseh svojih delih upodobil svojo ljubljeno Elizabeth Siddal, ki je kot srednjeveški vitez še naprej ostal zvest svoji ljubljeni tudi po njeni prezgodnji smrti ("Modra svilena obleka", 1866).

Ideolog prerafaelitov je bilJohn Ruskin (1819-1900) - angleški pisatelj, likovni kritik in likovni teoretik, avtor znamenite serije knjig »Moderni umetniki«.

Delo prerafaelitov je pomembno vplivalo na številne umetnike in postalo znanilec simbolizma v literaturi (W. Pater, O. Wilde) in likovni umetnosti (O. Beardsley, G. Moreau idr.).

Vzdevek »Nazarečani« morda izhaja iz imena mesta Nazaret v Galileji, kjer se je rodil Jezus Kristus. Po drugi različici je nastalo po analogiji z imenom starodavne judovske verske skupnosti Nazarečanov. Možno je tudi, da je ime skupine izviralo iz tradicionalnega imena za pričesko »alla nazarena«, ki je bila pogosta v srednjem veku in je znana iz avtoportreta A. Dürerja: način nošenja dolgih las, razdeljenih na sredino, je bil ponovno uveden avtor Overbeck.

bidermajer(Nemško: "pogumni Meyer", filister) - priimek izmišljen lik iz pesniške zbirke nemškega pesnika Ludwiga Eichrodta. Eichrodt je ustvaril parodijo na pravi obraz- Samuel Friedrich Sauter, stari učitelj, ki je pisal naivno poezijo. Eichrodt je v svoji karikaturi poudaril filistersko primitivnost bidermajerskega mišljenja, ki je postalo nekakšen parodični simbol dobe. obsežne poteze črne, rjave in zelenkaste barve izražajo bes nevihte. Zdi se, da je gledalčev pogled v središču vrtinca, ladja pa kot igrača valov in vetra.